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por Juan Antonio García Borrero
Actualizado: hace 1 hora 38 mins

III ENCUENTRO SOBRE CULTURA AUDIOVISUAL Y TECNOLOGÍAS DIGITALES (Camagüey, Cuba)

Lun, 01/15/2018 - 21:10

Convocatoria

El Proyecto de Fomento de la Cultura Audiovisual “El Callejón de los Milagros”, con el auspicio del Sectorial Provincial de Cultura, la Asociación Hermanos Saíz, el Centro Provincial del Cine, y la Unión de Informáticos de Cuba en Camagüey, convocan al III ENCUENTRO SOBRE CULTURA AUDIOVISUAL Y TECNOLOGÍAS DIGITALES, el cual se celebrará en Camagüey los días 25, 26, y 27 de abril del 2018, con los siguientes ejes temáticos:

Homenaje a Desiderio Navarro, pionero en el uso de lo digital en función de la promoción cultural en Cuba.

El enciclopedismo digital del siglo XXI

Políticas públicas e informatización de la gestión cultural

Objetivo principal: El encuentro pretende propiciar un espacio para el intercambio de experiencias vinculadas al trabajo comunitario, dirigido a fomentar entre niños, adolescentes, educadores y promotores culturales, un uso creativo de la tecnología, así como el consumo crítico del audiovisual.

Para ello se organizarán sesiones de trabajo que permitan la actualización y discusión de los presupuestos teóricos y conceptuales pertinentes, vinculándolos a una agenda práctica que a su vez estimularía la inter-actividad e inter-creatividad de los participantes.

Objetivos permanentes:

· Socialización de productos y servicios del mundo digital relacionados con la cultura audiovisual.

· Impulsar el vínculo entre las nuevas tecnologías, la cultura audiovisual, y los proyectos comunitarios.

· Contribuir a que la informatización de la sociedad marche acompañada de la necesaria campaña de ciberalfabetización de los ciudadanos.

· Conocer experiencias valiosas del territorio nacional y propiciar el intercambio fluido entre las diversas áreas de Cultura, Educación y Nuevas Tecnologías.

· Impulsar el Programa de Fomento de la Cultura Audiovisual, aprovechando el uso creativo de las nuevas tecnologías.

· Fomentar alianzas con las diversas instituciones y organismos del territorio, vinculadas a la cultura, la educación y las tecnologías en Camagüey (Sectorial de Cultura, Educación, AHS, ISA, Oficina del Historiador de la Ciudad, Etecsa, Joven Club, Universidad de Camagüey, UPEC, Desoft)

Modalidades de participación:

El simposio funcionará a través de ponencias y exposiciones académicas que, acompañadas de demostraciones prácticas en el PASEO TEMÁTICO DEL CINE, vinculará a la comunidad camagüeyana con lo que allí se exponga, posibilitando que los ciudadanos se integren a las diversas experiencias compartidas por los especialistas.

El Encuentro también se plantea la construcción de una plataforma permanente de trabajo, en la cual confluyan los saberes culturales, educativos y tecnológicos.

ACTIVIDADES COLATERALES

Ø Exposiciones interactivas

Ø Taller “Programar es crecer” para niños y adolescentes

Ø Taller de creación audiovisual para niños y adolescentes

Ø Exposición de fotografía humorística del realizador Francisco Puñal

Ø Descarga de archivos

Ø Presentación de libros

Ø Ciclos de materiales audiovisuales

Ø Cibertertulia “El Callejón de los Milagros”

CONTACTOS:

Coordinador General: Juan Antonio García Borrero

Teléfonos: 32258189// 32257996

Correo: virgen1964

nuevomundo

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CONVOCATORIA 14 FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE GIBARA

Vie, 01/12/2018 - 08:03

CONVOCATORIA 14 FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE GIBARA

By FICGibara ( ficgibara.cult.cu )

El Ministerio de Cultura, el Instituto Cubano del Arte e Industria Cinematográficos (ICAIC), el Gobierno de Holguín, y el Gobierno de Gibara, convocan a participar en el 14 Festival Internacional de Cine de Gibara (FIC Gibara), a celebrarse del 1 al 7 de julio de 2018.

FIC Gibara, inspirado en el festival del Cine Pobre que creara el cineasta cubano Humberto Solás y presidido por el actor y director Jorge Perugorría, abre un espectro más amplio a la producción cinematográfica y mantiene la comunicación entre las distintas artes que caracterizó al Cine Pobre.

Podrán concursar materiales en idioma original con subtítulos en español con fecha de terminación 2016 al presente.

Se competirá en las siguientes categorías:

– Largometraje de ficción

– Cortometraje de ficción

– Largometraje documental

– Cortometraje documental

– Animación y videoarte

– Guiones inéditos

– Cine en construcción (largometrajes de ficción y documental)

El jurado de cada categoría estará integrado por reconocidas figuras nacionales e internacionales del cine, el audiovisual y las artes; su decisión será inapelable.

A cada obra ganadora se le entregará el premio Lucía.

En la sección Cine en construcción, se otorgará el premio – en metálico – Humberto Solás a la obra que más honre el Manifiesto del Cine Pobre defendido por el cineasta; además de una obra confeccionada por un prestigioso artista de la plástica.

Las obras deberán enviarse en formato DVD o BluRay a la siguiente dirección:

Oficina del Festival Internacional de Cine de Gibara:

Calle 23, nro.1155, e/10 y 12, piso 6, Edificio ICAIC, Vedado, Plaza de la Revolución, La Habana, Cuba. CP 10400.

Puede registrarse de manera online en el siguiente enlace:

http://inscripcion.ficgibara.com/

El plazo de admisión vence el 27 de abril de 2018.

Más información:

ficgibara <mailto:ficgibara>

Teléfonos: +53 7 8369493, +53 8383650 al 56. Ext: 195 y 196.


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UN TEXTO SOBRE “EL ACOMPAÑANTE”, de Pavel Giroud

Lun, 01/08/2018 - 07:34

Este texto de Berta Carricarte tal vez parezca demasiado extenso para un blog. Pero a mí me parece excepcional, sobre todo porque entre nosotros no es frecuente encontrar “análisis” que hablen desde la teoría cinematográfica, y sean capaces de superar el impresionismo crítico en el que muchas veces preferimos quedarnos. Ojalá se hagan más sistemáticos estos retornos a películas ya estrenadas, donde la distancia nos permita explorar en profundidad textos y contextos. Así que lo que recomiendo es imprimirlo y leerlo con calma. Vale la pena.

JAGB

El acompañante: un caso de M.R.I

Por Berta Carricarte Melgarez

Introito.

En 2016 se estrena en las salas de cine cubanas El acompañante, filme dirigido por Pavel Giroud, cuyo asunto es la vida de Daniel, uno de los enfermos de sida que, como era costumbre durante los años 1980, fue recluido en un sanatorio llamado Los Cocos. Con el objetivo de controlar la infección, se les prohibía a los enfermos salir, a menos que les acompañara un cuidador. Horacio, boxeador penalizado por dopaje, se convierte en el vigilante de Daniel.

Queriendo hacer prevalecer la lectura idílica de un contexto epocal ya lejano, la crítica a veces superficial y festinada con que se valoró el filme, cuestionó la veracidad histórica de ciertos pasajes y de ciertas soluciones dramáticas, en virtud de un verismo totalmente ajeno a la naturaleza creadora del arte. Otros criterios también acusatorios, no repararon en aspectos notables que el enunciado proponía; pero, además, El acompañante se rotuló como cine que respondía a lo que Nöel Burch denomina Modo de Representación Institucional. Tales juicios motivaron la escritura de este ensayo, donde se pretende esclarecer el término aludido, tomando como referencia la película en cuestión, y ofrecer un punto de vista en todo caso diferente.

***

Suele suceder a veces que, cuando se toman las armas del enemigo para polemizar, el resultado está más cerca de la legitimación de esas armas, que del desenmascaramiento del adversario. Así me da la impresión que le sucede a Laura Mulvey en Placer visual y cine narrativo (1973) cuando dice que hará un uso político del psicoanálisis para develar la manera en que el inconsciente de la sociedad patriarcal ha estructurado la forma cinematográfica. A mi juicio, no hace más que darles poder a las teorías de Freud y Lacan en relación con las obsesiones y patologías femeninas, finamente incrustadas en las propias mujeres, durante siglos de aprendizaje cultural, y luego convertidas, mediante operatorias psicoanalíticas, en verdades científicas, o sea, verdades del psicoanálisis. Para oponerse a los efectos de voyeurismo sádico y la escoptofilia fetichista que según Mulvey, son el resultado de la percepción del cine narrativo, tendría que lograrse -dice ella- un cine que condujera al distanciamiento crítico, un anticine, en fin, un cine no narrativo.

Sin embargo, como han demostrado los estudios semióticos del cine: todo cine es narrativo y todo filme es un filme de ficción. El cine combina imagen y sonido en virtud de un relato –sin importar la densidad o la transparencia de su discurso-, y las imágenes concebidas no pueden entonces sustraerse de ese principio de narratividad, al margen de lo aleatoria que pueda resultar su lectura o desciframiento.

De ahí que podamos preguntarnos: si Mulvey utiliza las herramientas del psicoanálisis, e incluso sus aseveraciones, con la pretensión de demostrar el talante de la mirada androcéntrica en el cine, ¿no se podría utilizar el cine narrativo para reconstruir una mirada no patriarcal? De hecho, Mulvey fue cuestionada casi de inmediato, por otras feministas que tomaban en consideración aspectos no evaluados por aquélla. Pero, además, ya para esa fecha se habían activado modos de representación que tendían a la deconstrucción, al antirrealismo, a romper la unidad entre diégesis y mímesis, o simplemente a la baja densidad narrativa, sin que por ello se acercaran a resolver los problemas concernientes a la mirada masculina hegemónica en y desde la pantalla. Un ejemplo bien elocuente sería la Nueva Ola Francesa que, por cierto, se irguió como modelo de producción cinematográfica opuesto a lo que Noёl Burch denomina M.R.I.[i]

Primer round: cine transparente (o antitranspirante).

A propósito, con frecuencia se observa una lectura muy libérrimade lo que Noёl Burch define como M.R.I (Modo de Representación Institucional) o cine clásico norteamericano. Según se interprete al teórico se pueden colocar en el mismo renglón toda la producción de Hitchcock, o el western, El nacimiento de una Nación y Nuestros años Felices, Harry Potter y El color púrpura, por lo que de común puedan tener estos filmes; a saber y siguiendo a Burch:

-Ubicuidad de la cámara, expresada en la multiplicidad de planos que integran la escena, y que trae como resultado la producción de una sintaxis en función de un relato lineal.

-Dinámica de campo-contracampo, instaurado como norma de presentación de un mundo posible y ficcional.

-Clausura de la historia, en tanto alternativa sugerida de culminación del proceso narrativo y de todos los significantes textuales y subtextuales del filme.

-Raccord de eje, raccord de mirada y raccord de dirección o sintagma de contigüidad, que eleva a la condición de código, las peculiaridades psico-fisiológica de la recepción cinematográfica.

Y es en esa conciencia de la naturaleza ilusionista del raccord de dirección, donde Burch localiza el meollo de toda la «practología» del M.R.I. Toda esta manipulación, convertida en código del lenguaje cinematográfico desarrollado en Norteamérica a partir de Griffith, permite hablar de la identificación primaria del espectador con el punto de vista de la cámara. Ahí se inicia lo que el teórico denomina viaje inmóvil o ubicuidad del sujeto espectador, dados los movimientos de la cámara y la fragmentación de planos.

Por supuesto, habría que añadir otros efectos de los que no le interesa ocuparse a Burch en El tragaluz del infinito, y que hacen parte del concepto M.R.I. Podríamos resumirlo así: Identificación total entre mimesis y diégesis; narración trasparente, que subordina el discurso (el proceso de articulación del lenguaje cinematográfico) a la historia; enunciación que simula corresponder a un estatus autónomo del relato; narración autoproducida y autosuficiente; simulacro de verosimilitud. Todo ello responde a un canon de representación que reconoce un modo de producción unívoco sostenido por la industria hollywoodense, e identificado con un cine comercial, a ratos evasivo y en caso extremo, enajenante. Por demás, el M.R.I. va siempre acompañado y actualizado por la tecnología, que sirve de modulador del canon. Por ejemplo, la completa normatividad del MRI, ya presente en El nacimiento de una nación (David Griffith, 1915) se explaya a finales de los años 1930, con la instauración del cine sonoro, donde la ilusión de realidad en el cine, alcanza el non plus ultra.

No obstante, es fácil percatarse de que hay nóminas interminables de películas en las que se puede constatar un tipo de escritura fílmica, cuya transparencia narrativa, arrastra consigo al espectador y puede llegar a hundirlo en la más profunda e inmóvil de las travesías, sin por ello calificar bajo el rubro de M.R.I. Buena parte del cine que se produce y consume fuera de Hollywood y sus ilustres excepciones, porta esa condición.

No en balde Burch reconoce la existencia de diversos modos de producción del cine, y espera con ello, evitar la falaz e incómoda tendencia a hablar del lenguaje cinematográfico, como un bloque compacto, una substancia única, homogénea, sujeta en todas partes a las mismas determinaciones, los mismos objetivos y los mismos condicionantes. Y aclara:

“También me niego a ver un mal objeto en el sistema cuya genealogía quiero explorar aquí, y en consecuencia en las películas de él surgidas. Puesto que es evidente que muchas películas que no pretenden en absoluto «desconstruir» los códigos de la narratividad institucional, y aún menos los cimientos del M.R.I, vehiculan sin embargo una multitud de sentidos distintos a los que sempiternamente repite el M.R.I en tanto que tal.”(Burch 18)

A nuestro modo de ver, fuera del Modo de Representación Institucional quedan, entre otros, el cine de vanguardia de los años 1920, el cine de octubre, el neorrealismo italiano, la Nueva Ola Francesa (ya dicho), las cinematografías nacionales que se desarrollan a partir de 1960 y el cine alternativo o experimental, así como todas las desviaciones del canon MRI, capaces de subvertir sus estamentos, como Dogma 95.A esto habría que sumar los brotes de excepcionalidad localizados en Hollywood y que son susceptibles de ser explicados más allá de Citizen Kane. Por último, y como parte de esa propia excepcionalidad hay que analizar cuáles serían las conexiones (caso de haberlas) entre M.R.I y el llamado cine de autor, tal como lo concibieron los iniciadores de Cahier du cinema.

Al leer un artículo donde se le pone etiqueta de “ortodoxia filo-mainstream” a El acompañante, he sospechado que se mal emplea el término MRI, cuando se le reduce a sus premisas básicas, sin tomar en cuenta los aspectos socioculturales que concurren a matizar tales premisas; por ejemplo, la implementación y (luego) suspensión del código Hays, u otros sistemas de censura vigentes. O la evidencia de que la industria hollywoodense ha sido sostenida por la aristocracia bursátil y la no menos “aristocrática” mafia. No debe olvidarse que las Majors fueron de las primeras en violar la ley antitrust[ii]. Por eso concuerdo con F. J. Gómez Tarín cuando afirma que: “Tampoco es posible la identificación del M.R.I. como «cine clásico» sin más, salvo que lo consideremos un modelo en transformación constante que refleja la situación en cada momento dado de los mecanismos de representación hegemónicos; en este caso, el cine clásico no sería sino uno de los «momentos» por los que atraviesa el M.R.I hasta nuestros días.”[iii] En mi criterio, ideología y contexto son dos de las categorías que definen el modelo de producción cinematográfica, corresponda o no a un caso de M.R.I. Dicho esto: ¿a qué “ortodoxia filo-mainstream” podría corresponder un filme como El acompañante? ¿Cuál sería su mainstream: Hollywood o el ICAIC?

Segundo round: Los Cocos (el Coco).

Cuando a mediados de 1980 se empezó a hablar en Cuba sobre el sida, la palabra misma producía terror. A Horacio no lo mandan a Los Cocos de acompañante porque él haya demostrado un peculiar humanismo revolucionario y quisiera dar el paso al frente para asumir la tarea, sino como castigo. En todo caso, nada más humano en esas circunstancias que el terror y la desconfianza. Se sabía poco entonces sobre esa enfermedad. Había algo más que “humanidad y sentido común” detrás de la medida de “internar” a los enfermos seropositivos. Había un humano terror ante lo desconocido, y el deseo de mantener una enfermedad inexplicable e incurable bajo el más estricto control. Algún tiempo pasaría antes de que se pudiera asumir con cierta calma, que los enfermos de sida no constituían un peligro social per se, y que había que hacer más énfasis en la profilaxis que en la segregación de los infectados. Pero hay que tener valor hoy para aceptar que muchos nos sentíamos a salvo sabiendo que aquéllos portadores de la muerte, estaban aislados y vigilados en Los Cocos.

Hasta las monjas han atravesado la difícil situación de enfrentar su tarea sanadora frente a seres humanos en circunstancias terribles. El testimonio de una de ellas (que lloró y se lamentó de haber sido enviada a una institución de enfermos discapacitados, antes de resignarse y asumir con humildad su compromiso), frente al Papa Francisco de visita en Cuba[iv], fue revelador, humano y ejemplarizante. Por demás, no es lo mismo tener vocación y ejercer voluntariamente la tarea de sanar o acompañar en su pandemónium a un enfermo, que ser obligado a practicar, no ya la caridad, sino a ser de cancerbero de quien sea. Peor si se le percibe como un peligro potencial y una amenaza para la propia vida.

La historia de la película es muy clara. Dos hombres segregados de la sociedad entablan por fuerza, una relación que se irá transformando de negativa en positiva, en la medida en que reconocen que necesitan el uno del otro. Si aplicamos, en un ejercicio de deconstrucción dramatúrgica, el utilísimo esquema actancial de Algirdas J. Greimas, tenemos: un sujeto deseante, Daniel y un oponente en principio, Horacio. Daniel desea la libertad, y su recorrido dramático lo llevará a enfrentar ciertos obstáculos, el primero de ellos, la vigilancia de su acompañante. Después los obstáculos aumentan, el médico traidor, el traficante inescrupuloso, la remisión de Daniel a la cárcel, su deteriorado estado de salud. Por otra parte, su objeto de deseo es abstracto: la libertad; o por lo menos una libertad idealizada en un locus que el imaginario social del cubano ha convertido, en una especie de Tierra Prometida, a la que se llega remando. Sus adyuvantes: el camionero del sanatorio, la mujer que coordina la salida ilegal, su madre, su convicción, su carácter, sus habilidades, su juventud.

Veamos ahora cómo funciona la actancialidad en Horacio. Él quiere volver al ring. Se le opone su actual condición de sancionado, el régimen del sanatorio, el entrenador. Pero muy pronto, los obstáculos comienzan a derrumbarse, todo se le torna posible, alcanzable. Ya Daniel y el sanatorio no son un inconveniente de peso, dado que Daniel está dispuesto a cooperar y la directora ha dado el visto bueno también. Todo y todos le ayudan a conseguir su objetivo. Incluso, llegado al punto en que, aun cuando gane su pelea, no podrá ir a la Olimpíada, él asume ese recorte de expectativas. El esquema actancial se va de un solo lado, se desequilibra. Eso debilita el conflicto/drama y pudiera mermar el interés del público.

El objetivo de Daniel es salir del sanatorio. El objetivo de Horacio es ser campeón Olímpico; objetivo que variará y disminuirá en intensidad hacia la mitad del filme. El acompañante propone un plot de transformación, de conversión, donde las polaridades que encarnan los protagonistas pierden muy rápido su nitidez; por eso el núcleo dramático pudiera resultar débil.

Eso se podía haber resuelto, de manera muy «M.R.I», con un didascálico al final del filme donde se revelara la frustración de las expectativas de Horacio, que ya no va a Seúl, porque Cuba no va a Seúl. Pero él, como personaje ¿no debía terminar triunfante en su propósito? Era el máximo contraste que se podía concebir entre los destinos opuestos de Horacio y Daniel. Esa clausura restitutiva era el sostén de una enunciación diegetizada (máxima aspiración de un cine inspirado por el M.R.I.), a resumir en una tesis: Ser coherente con nuestros deseos, luchar por ellos, merece cualquier sacrificio. Mientras el paratexto final hubiera bastado para confirmar todo el subtexto del filme: Si no eres dueño de tu destino, no importa cuánto luches, fracasarás. Sin embargo, falta ese final feliz, o al menos restaurador que de común, ofrece el M.R.I.

Por otro lado, hay una serie de marcas propias del cine modélico norteamericano, de las cuales el director hace caso omiso. Por ejemplo, se desdeñan el corte al tercer segundo que le otorga ese ritmo estándar al cine yanqui; por el contrario, se eligen tomas largas, con movimiento al interior del cuadro y se prefiere el two shoot en desmedro del habitual plano contra plano; mientras la música, mera apoyatura rítmica del relato, tarda en aparecer, estableciendo por ausencia, un silencio casi de extrañamiento en las primeras secuencias. Para colmo, vemos solo una parte del combate final entre Horacio y su rival, el último round se difiere en una elipsis, que traiciona las expectativas de quienes votan por la identificación emotiva. Demasiadas transgresiones del discurso, como para “merecer” el rótulo de MRI.

Y eso no es todo.

Estos muchachos (Daniel interpretado por Armando Miguel Gómez, y Horacio por Yotuel Romero), cuya belleza física cualquier público agradece, no son estrellas planificadas por el star system, sino el resultado de un casting muy bien conformado. Como personajes, ambos son dos luchadores, que encarnan dos momentos de masculinidad: la guerra y el juego. En ambos casos son derrotados. Aunque no son asesinados como los varones de la cinta cubana Espejuelos oscuros (Jessica Rodríguez, 2015), sí son también víctimas de una muerte simbólica, al morir en ellos aquel sujeto que no merece ser llorado: el macho que prueba su coraje en la batalla, sea puramente bélica o puramente lúdica. No es la muerte del género masculino, sino la muerte de un cierto género de masculinidad patológica. A pesar de que El acompañante no deja de ser una obra construida desde una mirada masculinizada, al poner en entredicho los pilares de su hegemonía, gatea hacia una representación simbólica equitativa de los roles de género. Aunque en la superficie vemos hombres disputándose la carroña de sus egos, bajo la piel circula una vena de humilde autorreflexión, dicha mediante una narratividad trasparente y lineal, muy lejos de la egofalia narcisista que a menudo corona el M.R.I.

Cuando Daniel cuenta en el sanatorio sobre el sparring entre Horacio y su homólogo, Giroud ofrece un homenaje a uno de los actuales directores de culto, Quentin Tarantino. En Perros de Reserva, Tarantino organiza una ejemplar cadena de metarrelatos, en la que el personaje interpretado por Tim Roth va de una situación A, a una situación A1, en medio de lo cual se han intercalado las sucesivas fases de una narración que pierde su status transparente, para asumir una dimensión dislocada e imposible en términos de la lógica causal defendida en el M.R.I. En El acompañante se trata apenas de un guiño, que no compromete la ejemplar legibilidad de la historia. Creo que es la mayor audacia argumental que se permite Giroud.

No siempre los artilugios formales prometen cambios conceptuales. Un claro ejemplo es Birdman (González Iñárritu, 2014), filme homofóbico y segregacionista, donde el culto a la sociedad de consumo, y a la seudo cultura mediática, alcanza niveles aberrantes; no satisfecho con eso, presume de una solución “innovadora” en su estructura discursiva, sostenida por un plano secuencia que oculta la cicatriz de sus suturas para jugar a la transparencia narrativa, y crear la sensación de una piel lisa, de una realidad fluida. El cine no es una mayonesa, donde la variación de un ingrediente, o la velocidad de batido, cambiarían la constitución esencial de la salsa. Al entrar a jugar en las grandes ligas de Hollywood, Iñárritu ha puesto su talento en función de una industria que le necesita, para reoxigenar el canon, a condición de que se apegue a la letra ideológica de sus patrones. Así, todo tiene su explicación; ¿Recuerdan The last Tycoon (Elia Kazan, 1976)? Escuchemos a Monroe Stahr (Robert de Niro) cuando en un almuerzo de negocios les dice a los inversionistas de la productora que él dirige: «Rodaremos una película de prestigio. Tenemos un cierto deber para con el público. Es bueno para la compañía intercalar una película en la que se pierda dinero; una inversión de buena voluntad.»

Por el contrario, la película de Pavel Giroud no juega a la transparencia, es transparente. En el subtexto epidérmico de la cinta hay una intención legible de cuestionar ciertas fórmulas de poder, que se ciernen sobre la sociedad cubana y que se presumen inapelables. No se limitan al poder militar, autárquico en sí mismo y en cualquier sociedad. Aluden también a un poder omnímodo que decide sobre el destino de todos, condicionando los intereses y las aspiraciones más personales. Cuando el entrenador dice: No irás a Seúl, ni tú, ni yo, ni nadie. No habla por boca de su voluntad, ni por la de su jefe, ni por la del jefe de su jefe, sino por la de una entelequia sublime y poderosa como dios mismo.

La doctora jefa del sanatorio (Yailene Sierra) es un actante (en el sentido gremasiano), más que un personaje propiamente dicho. Tanto ella como el médico traidor, o el pantrista desalmado, son arquetipos sobre los cuales recae la función de oposición y contraste. La doctora es una consigna parlante, una marioneta que solo en algún descuido deja entrever su lado humano. Ella sabe que cuando se muestra humana puede ser pisoteada por otro galeno que, amparado en su rango superior, esquiva estrecharle la mano, más para humillarla que por temor a un contagio imposible. Para Y. Sierra debe haber sido muy difícil mantenerse en esa tesitura en la que, vistiendo galas de pécora, debe ocultar su veta frágil. Sin masculinizarla, sin degradarla, Giroud logra que de ella brote la complejidad de matices contenidos en esta tenienta seca y plana.

Por su parte, Jazz Vilá es un villano de historieta. Es el Randal de la Pixar en Monster Inc., con su capacidad de agazaparse tras una pared o deslizarse por la ventanilla de un camión. Para seguir probando la excelencia del casting está el militarote –padre de Daniel- el cual también encarna una función actancial, pero al ser interpretado no como un estereotipo, sino mediante un estilo realista, el poder que él representa se torna amenazadoramente real y pleno de verosimilitud. El de Yailene es una marioneta, este no, este es de verdad, con este no se juega.

También es cierto que Horacio Romero se sale del estereotipo del boxeador, que entre nosotros cobró fama de iletrado, grosero, marginal, necio, rudo, insensible, y muy macho. Este hombre llora, siente miedo, dolor, aunque la ortografía sigue siendo su talón de Aquiles. Horacio quería ser médico. ¿Qué pasó? ¿Dónde y por qué un sueño fue sustituido por otro? Que Horacio quiera volver al ring, es una cosa. Que esté obligado a volver, es otra. Horacio se dopó porque (si hemos de creerle) sobre él se ejercía una presión brutal: un país entero esperando la medalla, una mujer que sustituye al novio, limitado en sus funciones sexuales a causa del carácter prioritario del juego. Tal vez Horacio se equivocó de profesión y de mujer.

Esta es una película de historia, donde la anécdota capitaliza los resortes expresivos. No es un filme para malabarismos composicionales ni encuadres que resten protagonismo a las acciones físicas, emotivas o sicológicas. No puedes estar contando una historia convencional, sencilla, transparente, que persigue una inmediata comunicación con el público, y morir en el arrebato del plano espectacular y psicodélico. Qué jerarquía tendría la cámara frente a lo narrado, es algo que el director tuvo aquí muy claro desde el guion. La premisa que empuja a un realizador a hacer un filme es lo que define qué tipo de fotografía acompañará a ese relato. Fernando Pérez y Raúl Pérez Ureta no buscan el mismo efecto en un filme de mise en abîme como Madrigal, que en una película sobre la cotidianidad como Últimos días en La Habana.

El acompañante está lejos de ser una película de gran calado. Pero la puesta en escena resulta convincente. Una película no es una telenovela, y un espectador de cine debe tener la opción de imaginar ciertos cierres que son además, previsibles. Daniel es un personaje que no sufre evolución alguna, como aquella gente de la vida real que vive enquistada o paralizada en función de un objetivo quimérico. Presintiendo su próximo final, pone fin a sus miserias físicas con un atinado (dadas las premisas del personaje) suicidio. De regreso a su celda está agonizando mientras otros a su alrededor ven el combate entre Romero y el americano. No voy a cuestionar si en la vida real, todo el que agoniza en un hospital en Cuba (o allende los mares), tiene al lado un médico o una enfermera o una monja sobre la cual vomitar su último esputo. No es un problema de ética médica, sino un problema de arte. ¿Es tan difícil comprender que el arte jamás se limitará a ser una pura imitación de la vida? Antes la vida se habrá cansado de imitar al arte. ¡Daniel tenía que morirse solo! Hay fenómenos del arte que se desbordan la voluntad de un escritor, de un poeta, de un director, por eso la narratología suele hacer una distinción tajante entre autor y escritor –esto lo sabía muy bien Cervantes, probablemente Shakespeare y sin dudas Flaubert–, lo cual es perfectamente aplicable al cine. Esta película se habría filmado, tarde o temprano, con o sin Pavel Giroud.

Tercer round: una puerta que se cierra

El acompañante es un filme de ficción, no un documental sobre cómo se trataba o no a los pacientes contagiados con VIH antes, durante o después de Los Cocos. Alguien interesado en cantar la epopeya del Sanatorio, asumirá esa tarea. No Pavel. La cinta ignora un millón de realidades vividas, gozadas y sufridas en esa ápoca, que al director no le interesó abordar, ni deciden la eficacia narrativa del filme, ni comprometen su comprensión o su tesis.

En un país carente del periodismo beligerante y cuestionador –más entrenado para ver la paja en el ojo ajeno, que la viga en el propio-, carente de una verdadera cultura del diálogo que tanto necesita una sociedad saludable, el cine tiene que tomar las armas y decir, hasta donde pueda, lo que solo platicamos chez nousa voix basse. Y decirlo de manera artística, optando por la forma y la expresión que se ajuste a su voluntad. En la película, como en toda obra de arte, hay un compromiso político con la realidad, si entendemos por político la toma de partido frente a una acción nociva que perturba la integridad física o mental de cualquier ser humano; la no neutralidad, la no imparcialidad frente a ello. Basta con denunciar las manifestaciones de egoísmo patológico en el señor que se niega a servirle otra porción de carne a Horacio, o en los individuos que niegan auxilio a Daniel cuando se enteran de que pertenece a Los Cocos, o en el padre que se reconoce militar antes que ser humano o antes que padre, o sea, ante todo. No en balde son hombres los elegidos por el director para proyectar ese comportamiento que resulta vergonzoso para la raza humana. Una vez más, la perspectiva de género implica una lectura política. Por eso cobra especial significado ideológico que no se exponga el segmento final de la pelea, que habría exacerbado la libido escoptofílica de un público domeñado por el M.R.I. El cine de Pavel Giroud no propone enajenación, sino reflexión.

Por último, no estaría de más recordar que las manías de los personajes cinematográficos, con frecuencia están inspiradas en gente común, en las cuales el actor o la actriz encuentran asideros de verosimilitud para su performance. Esa puerta que Daniel se empeña en cerrar, no es solo uno de los gestos simbólicos más transparentes del filme, sino un homenaje adicional al cine clásico. En concordancia, la transferencia del gesto que Romero asume en la última escena, es tan romántica como indispensable.

***

Sentada en el Multicine Infanta, en espera de ver el filme, me asusto con los créditos iniciales: Ibermedia, Areté S.A, Tu va voir, IGOLAI PRODUCCIONES, Nativa Pro Cinematográfica… Definitivamente me equivoqué de sala, o volvieron a cambiar la programación sin avisar, pienso, casi a punto de salir corriendo a ver el filme de Haneke que se proyecta en la sala contigua. Haneke, él siempre con filmes tan transparentes y nada M.R.I. Por fin aparece el título esperado. Todo está en orden. La confusión es natural. Lo que pasa es que El acompañante es, sin dudas, un caso de M.R.I., o sea, Modo de Representación Independiente.

Notas:


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SERGIO Y SERGUEI (2017), de Ernesto Daranas

Dom, 01/07/2018 - 08:13

Un pasado que todavía es presente

Por Jorge Luis Lanza Caride (Crítico de cine)

En la historia del cine cubano, pocos filmes han reflejado la angustia existencial y la incertidumbre social experimentada por el cubano en esos sombríos años noventa como Sergio y Serguei (2017), el más reciente largometraje de Ernesto Daranas (Los dioses rotos y Conducta), pues la mayoría las cintas realizadas por el ICAIC en ese contexto, salvo Madagascar (1994), de Fernando Pérez, permanecen en el olvido, dado el tratamiento intrascendente, no solo en lo temático, sino también en lo social.

La principal diferencia en cuanto al abordaje temático y estético de la crisis de los noventa entre algunos de estos filmes, incluyendo el citado título de la filmografía de Fernando Pérez y la más reciente película de Daranas es no apelar a un discurso hermético difícil de descifrar para el espectador medio, como suelen ser las cintas de Pérez.

Sin embargo, elude recurrir al típico tratamiento costumbrista y superficial cuya tendencia fílmica ha marcado y limitado en gran medida la cinematografía cubana de las últimas décadas. Daranas no prescinde de la metáfora reflexiva e inteligente en Sergio y Serguei, al entregarnos un filme divertido cuyas claves comunicacionales le valieron el premio de la popularidad en la 39 edición del Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano. Sergio y Serguei no es una cinta pesimista y derrotista en su abordaje de nuestras problemáticas sin dejar de ser divertida, seria y sobre todo profunda. A mi juicio, posee la virtud de cuando terminamos de verla nos deja más interrogantes que respuestas concluyentes.

Aunque centra su mirada en esos difíciles años, no se limita a radiografiar de manera satírica el cúmulo de avatares y penurias sufridas en aquel contexto. Lamentablemente, la mayoría de los filmes que han apelado a ese recurso para representar ese complejo período apenas son recordadas por el público cubano, tan exigente cuando se trata de su propia cinematografía. En esta cinta Daranas establece un acertado dialogo entre dos contextos tan cercanos en el tiempo: los críticos años noventa y la actualidad, ese nuevo milenio que ha prolongado muchas de las contradicciones y realidades de los noventa. No olvidemos la capacidad y vocación dialógica del arte en todas sus dimensiones.

Con el arribo de los noventa y la eminente debacle de la Unión Soviética y el campo socialista el último cosmonauta soviético Sergio Krikalev se queda varado en el espacio al detenerse el financiamiento para los programas espaciales. En Cuba, el impacto de ese suceso amenaza la estabilidad económica y social del país, Sergio, al igual que otros cubanos formados en la doctrina marxista comienza a replantearse su proyecto de vida.

El filme posee una dimensión conceptual que trasciende lo anecdótico, lo meramente circunstancial, lo efímero del contexto, al devenir una excelente metáfora sobre las relaciones humanas en situaciones límites y lo más esencial aún, constituye una metáfora que ilustra el aislamiento político que sufrió la sociedad cubana tras el colapso de la URSS, cuando muchos pronosticaban la caída de la Revolución cubana.

En ese sentido una de las posibles lecturas del filme radica en devenir un honesto y sensible homenaje a una nación como la cubana, que en ese dramático contexto sobrevivió gracias a la capacidad del cubano para asumir una crisis que continua en la actualidad, aunque determinados discursos han querido entronizar la absurda idea que el denominado eufemísticamente Periodo especial ha sido superado, cuando la crisis económica que atravesamos hoy en todos los órdenes, incluso en el plano ético es expresión de la prolongación de las reformas emprendidas en los noventa, del cúmulo de contradicciones emergidas durante esa etapa, de absurdas improvisaciones y errores.

Un recurso utilizado para contextualizar al espectador es aquel histórico discurso pronunciado por Fidel Castro a inicios de los noventa cuando expresó su preocupación por el curso de los acontecimientos en la antigua URSS, cuando reafirmó que aunque se desintegrara la URSS no se renunciaría a la aspiración de construir el socialismo en Cuba, entre otros recursos expresivos empleados para remontar al espectador a aquel contexto, lo cual funciona muy bien para aquellos cubanos que no poseen referencia vivencial con el referido período.

A diferencia de otras cintas que apelan a imágenes de archivo para graficar el contexto, Sergio y Serguei no abusa de ese recurso estético. El referido contexto y el ambiente social reinante es abordado sin apenas recurrir a imágenes de archivo. Aún así resulta fiel al clímax imperante. La historia de esta cinta transcurre en ambientes cerrados, aparecen pocos exteriores, lo cual resulta coherente con sus presupuestos estéticos y estructura dramática.

Hay mucha similitud entre Sergio y Serguei y una cinta como Páginas del diario de Mauricio (2004), de Manuel Pérez, pese a la distancia en cuanto a sus códigos estéticos, las pretensiones de sus realizadores y el tratamiento del tema. El elemento que entrelaza a ambas cintas descansa en la siguiente tesis: ambos personajes, tanto a Serguei como a Mauricio, formados en el Marxismo, en una etapa en la cual fuimos testigos de una interpretación dogmática de dicha corriente filosófica, la caída del Muro de Berlín (1989) y el resto de los acontecimientos que sucedieron en la Europa Oriental, cuyo ritmo fue vertiginoso no solo sorprendió a muchos cubanos, sino que tuvo un impacto social y psicológico enorme.

De la noche de la mañana la gran mayoría de los cubanos acostumbrados a la bonanza de etapas precedentes no solo tendrían que ajustarse el cinturón ante las penurias y dificultades que vendrían, sino que tuvieron que modificar disimiles esquemas de pensamiento, reajustar su escala de valores, aprender el juego de la filosofía de la supervivencia. Incluso, hubo quienes en diferentes latitudes luego de haber compartido los ideales del socialismo los abandonarían de la manera más camaleónica.

Mauricio y Serguei, en cambio, tienen que adaptarse para sobrevivir en una época de crisis, sin renunciar a sus convicciones y valores. Otra de las lecturas de la cinta radica en la divertida historia de la amistad que entabla Serguei con el radioaficionado estadounidense, interpretado por el actor norteamericano Ron Perlman, a quien recurre para intentar rescatar al cosmonauta soviético detenido en el espacio. De manera que el filme dialoga con el proceso de deshielo entre Cuba y EE.UU en el 2014, además de ser una parábola sobre como la amistad deviene un puente entre las naciones, sentimiento que supera cualquier frontera ideológica.

Una de las críticas más acuciantes y atrevidas del filme, aspecto reiterado por cintas tan controversiales como Regreso a Ítaca y Santa y Andrés, estriba en la denuncia a los mecanismos de control que ha ejercido el estado cubano sobre los ciudadanos, realidad que resulta inherente a cualquier sociedad y sistema político, lamentablemente todo lo relacionado con Cuba es víctima de la hiperbolizacion y la más burda manipulación mediática.

Aunque en las referidas cintas hay muchas verdades que no se habían expuesto de manera abierta, también hay verdades contadas a media. Sergio y Serguei no solo cuestiona los excesos de control existentes en la sociedad cubana, al apelar al humor y la sátira como recursos habituales en el cine cubano, funcionales para el público cubano, sino también la desconfianza excesiva existente en Cuba hacia todo lo extranjero en etapas precedentes, signo del aislamiento que experimentamos en aquellas décadas, con sus reminiscencias y ecos en la actualidad.

En ese sentido demuestra que la pluralidad y la apertura son requisitos insustituibles para cualquier sociedad que pretenda marchar hacia el progreso. Según Ernesto Daranas, en una entrevista concedida para el diario del Festival: “Para mí lo esencial y ha sido el mismo tema de las tres películas que he hecho, es la autoestima. Nuestra vida cotidiana, nuestra lucha por la subsistencia, la manera en la que nos relacionamos, el conjunto de esos factores a veces terminan dañando algo esencial que es el auto reconocimiento de quienes somos”.

Lo trascendental de Sergio y Serguei estriba en develar con sutileza y suspicacia, cualidades que han caracterizado el cine de Ernesto Daranas, considerado entre los más importantes cineastas cubanos en la actualidad, que pese a la adversidad inherente a cualquier contexto y circunstancias, nuestra supervivencia como nación solo será posible si somos coherente con la metáfora de construir la casa Cuba, para ser fiel al proyecto poseedor de una dimensión martiana promovido por un intelectual como el desaparecido Monseñor Carlos Manuel de Céspedes y García Menocal que abogaba por una nación incluyente y diversa, como diría Eusebio Leal, Cuba es de todos, cuya clave del éxito radica en apostar por la diversidad y la capacidad de aprender de las experiencias del pasado. Desde esa óptica podremos construir ese futuro de prosperidad y equidad al cual aspiramos como nación, como diría el Apóstol, con todos y para el bien de todos.

Ficha técnica:

PAÍS: CUBA, ESPAÑA, ESTADOS UNIDOS/ DIGITAL | FICCIÓN | 93’ | COLOR | 2017/ IDIOMA ORIGINAL: español, ruso, inglés / COMPAÑÍA PRODUCTORA: Mediapro; RTV Comercial; Audiovisuales ICAIC Producción/ Distribución; Westend Films; Wing and a Prayer Pictures / COMPAÑÍA DISTRIBUIDORA: WestEnd Films/ PRODUCTOR: Jaume Roures, Joel Ortega, Ramón Samada / Dirección: Ernesto Daranas/ GUION: Ernesto Daranas, Marta Daranas / FOTOGRAFÍA: Alejandro Menéndez / EDICIÓN: Jorge Miguel Quevedo / SONIDO: Jorge Marín/ DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Maykel Martínez, Laia Colet / MÚSICA: Micka Luna / Actúan: Tomás Cao, Héctor Noas, Ron Perlman, Yuliet Cruz, Mario Guerra, Ana Gloria Buduén, Armando Miguel Gómez, Camila Arteche, Idalmis García.

Sinopsis

Año 1991. Sergio, radioaficionado y profesor de marxismo, no sabe qué hacer para reorientar su vida. Por su parte, Serguéi, el último cosmonauta soviético, se encuentra en la averiada estación orbital Mir. Sergio y Serguéi se comunican, dando origen a una amistad.


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DESPERTANDO EN EL NUEVO AÑO

Jue, 01/04/2018 - 13:04

Estas fechas (fin y principio de año) se prestan para que nos entreguemos por entero a esa milenaria práctica que consiste en soñar el mundo no como lo que es, sino como quisiéramos que fuera (lleno de paz y armonía espiritual). Pero en lo personal, uno de los consejos que más he apreciado para caminar por la vida lo tomé hace algún tiempo del gran escritor Ambrose Bierce cuando anotó: “Si quieres hacer realidad tus sueños, ¡despierta!”.

No es que eso de soñar esté del todo mal, porque si los humanos vivimos hoy en un mundo diferente al de hace tres o cuatro siglos es porque un grupo de idealistas se empeñaron en desafiar el sentido común, y propusieron nuevas perspectivas, nuevas maneras de diseñar la convivencia. Pero también ellos, a su manera, fueron realistas, en tanto se trata de eso: de soñar con los pies bien afincados en la tierra.

En este nuevo año, como todos, me he propuesto varias metas. Mas en este primer post del 2018 quiero mencionar brevemente lo que ya comienza a ser una prioridad: el III Encuentro sobre Cultura Audiovisual y Tecnologías Digitales, que celebraremos en Camagüey entre los días 25 y 28 de abril.

Para esta ocasión tendremos tres grandes ejes temáticos:

Homenaje a Desiderio Navarro

El enciclopedismo digital del siglo XXI

La informatización de la gestión cultural en Camagüey.

Y como en los dos Encuentros anteriores, tal como aconseja Bierce, trataremos de convertir a la teoría (los sueños) en algo práctico, cuyos beneficios puedan apreciarse directamente en la comunidad, aunque todavía no tengamos una conciencia institucional de las fortalezas que hay allí.

Será también la mejor manera de seguir compartiendo con Desiderio Navarro, uno de los pocos intelectuales cubanos que hizo suya la revolución digital, tal como el mismo se encargara de anotar en algún momento:

En su afán de divulgar en Cuba el pensamiento literario, artístico y sociocultural mundial en sus mejores exponentes y de contribuir a dinamizar la actividad crítica e investigativa nacional, Criterios aprovechó los avances tecnológicos de la era digital para crear tempranamente, a principios de la década de los 90, con la ayuda de CENIAI, un rudimentario y efímero boletín electrónico; más tarde, en el 2006, fundó el sitio web www.criterios.es; en ocasión del debate de 2007 sobre el Quinquenio Gris, comenzó a utilizar el correo electrónico como un medio de diálogo y distribución de textos de conferencias públicas y dossiers a manera de un “blog-virtual-por-email”; desde 2009 ha realizado sucesivas entregas gratuitas en soporte digital de selecciones de valiosos artículos y libros extranjeros de las más diversas disciplinas, temáticas y países – “Los Mil y Un Textos en Una Noche”-, que ya suman 4004 títulos, y, por último, en 2011, utilizando a la vez el e-mail y su sitio web, creó el e-zine Denken Pensée Thought Mysl… de Pensamiento Cultural Europeo”.

Ya de paso, quisiera aprovechar la ocasión para agradecer públicamente el apoyo brindado por la Directora saliente del Sectorial Provincial de Cultura, Irma Horta. Sin su presencia en varias de las Cibertetulias que hemos realizado y en los dos Encuentros concebidos, hoy el Proyecto no existiría, pues como otras veces he dicho, una cosa es escribir libros en solitario, y otra, intentar contribuir a una Política Pública que beneficiaría a la comunidad de la que todos formamos parte.

Juan Antonio García Borrero


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ADIÓS, 2017

Sáb, 12/30/2017 - 14:52

Despido el año 2017 compartiendo con los amigos del blog una noticia que, al menos en lo personal, me permitirá ingresar al 2018 con mucho entusiasmo. Y es que gracias al apoyo de Americas Media Initiative y la Universidad de Tulane de New Orleans, muy pronto la Enciclopedia Digital del Audiovisual Cubano (ENDAC) estará online.

Sé que lo que viene no será más fácil de lo que hasta el momento se ha logrado, con todo y que ya estemos hablando de 4000 páginas aun estando offline. El hecho de que estemos en presencia de un proyecto colaborativo, donde será posible acceder a esta base de datos desde cualquier parte del planeta conectado a Internet, y además de consultar la información, contribuir a su enriquecimiento, no nos garantiza que el conocimiento construido de ese modo sea necesariamente más sólido o legítimo.

Y es que uno de los grandes peligros del enciclopedismo digital del siglo XXI se origina precisamente en el hecho de que al “democratizarse” la posibilidad de escribir en la red, se descuida la evaluación crítica de lo publicado: de nada vale que tengamos 4000 páginas si no nos acompaña la seguridad de que encontraremos rigor en lo investigado y publicado. Y como en lo personal me importa que la Enciclopedia funcione ante todo como una herramienta académica, que auxilie a los estudiosos del cine cubano vivan donde vivan, pues será preciso establecer determinadas reglas. Y seguir cultivando la cultura del debate civilizado, algo de lo que he podido obtener muchísimas lecciones en esta década administrando el blog.

No quiere decir que el investigador más riguroso no se equivoque, pues eso forma parte del juego epistemológico en el que todos los individuos nos movemos cuando aspiramos pasar de la simple opinión al análisis que revela a la realidad como un todo lleno de contradicciones. Por eso la idea es crear una comunidad transnacional de estudiosos del cine cubano que tengan en mente aquella sugerencia de Bloch (comprender antes que juzgar), y que sean capaces de exponer los puntos de vistas desde una perspectiva científica o rigurosamente analítica.

Como ven, un desafío de grandes dimensiones, pero como anotaba Lezama, solo lo difícil es estimulante. Felicidades entonces para todos los amigos de “Cine cubano, la pupila insomne” en el fin de año, y nos vemos en el 2018.

Juan Antonio García Borrero


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2017 Y EL CALLEJÓN DE LOS MILAGROS

Sáb, 12/30/2017 - 05:58

He querido, antes de que termine el año 2017, dedicarle un par de horas a evaluar lo que ha pasado con el Proyecto “El Callejón de los Milagros” en estos últimos doce meses transcurridos.

Después de todo, no hablamos de un proyecto personal (como pudieran ser mis libros o esa Enciclopedia Digital del Audiovisual Cubano que se ha estado promoviendo en los medios), sino de algo en lo que están implicadas varias instituciones (Sectorial Provincial de Cultura, Asociación Hermanos Saíz, Centro Provincial del Cine, Unión de Informáticos de Cuba), toda vez que el Proyecto intenta impactar desde lo institucional en esa Política Pública que en teoría mañana tendría que fomentar entre los ciudadanos cubanos el uso creativo de la tecnología.

En este sentido, siempre me gusta recordar que el Proyecto de Fomento de la Cultura Audiovisual “El Callejón de los Milagros” nació de aquel desafío planteado por Miguel Díaz-Canel en las conclusiones del VIII Congreso de la Uneac (2014), y del Primer Foro sobre Consumo Cultural organizado un poco después.

Tomando en cuenta el tiempo transcurrido, y las acciones ejecutadas, pienso que todavía estamos muy lejos, pero muy lejos, de los resultados esperados. Y es que pese al apoyo decidido de Irma Horta, directora del Sectorial Provincial de Cultura en Camagüey, aún no hemos conseguido articular un dispositivo que permita interactuar a las diferentes entidades culturales y educativas que existen en la ciudad. Por una razón fundamental: el Proyecto, como la informatización de la sociedad a la que aspira, no es solo un problema del Centro de Cine o de Cultura, sino que lo atraviesa todo, y demanda el respaldo de los más altos directivos del territorio.

Y lamentablemente, desde el punto de vista administrativo no existe todavía un ente que garantice el funcionamiento del Paseo Temático (único de su tipo en el país) como algo coherente y todo el tiempo renovador. Más bien estamos hablando de una sumatoria de instituciones y unidades gastronómicas que prestan servicios muchas veces sin tener la menor idea del gran proyecto socio-cultural que en su momento propuso la Oficina del Historiador.

A pesar de esa carencia, se ha avanzado en otras direcciones. Hoy el Paseo cuenta con un Portal al cual se puede acceder gratuitamente a través de la red Wifi El Callejón de los Milagros (algo que pudiera funcionar de modo similar en cualquiera de las instituciones de la ciudad, sea la Biblioteca Provincial, el Museo, o las distintas galerías de arte, incluyendo a las de la UNEAC o la de la Oficina del Historiador). Y gracias al trabajo bien serio de Desoft el mismo se encuentra actualizado.

Por otro lado, el Segundo Encuentro sobre Cultura Audiovisual y Tecnologías Digitales celebrado en el mes de abril fue relevante, no solo por la presencia de un grupo de expertos en el universo audiovisual del niño (eje temático del evento), sino porque a través de la tormenta de ideas desplegada en la última jornada se puso en evidencia de que sí es posible convertir a la Calle de los Cines en una suerte de Calle Inteligente de los Cines. O lo que es lo mismo: que en Camagüey hay gente emprendedora, y que tiene deseos de aportar a la comunidad.

Pero nada de esto tendrá sentido si no acabamos de tomar conciencia del momento histórico que estamos viviendo. Un momento donde la revolución digital lo impregna todo, trastocando para siempre aquel mundo de prácticas culturales en el que el Estado podía controlar y diseñar casi todo en términos de producción y consumo cultural. Esto significa que si queremos seguir defendiendo el gran legado de las políticas culturales que garantizaron el acceso a lo más valioso del arte, tendremos que acabar de asumir nuestra precariedad, ya no tecnológica, sino de estrategias vinculadas a las humanidades digitales.

Porque algo queda claro. El sistema institucional cubano podrá seguir optando por el conservadurismo, la indiferencia, y hasta el rechazo de las nuevas prácticas. Pero los nuevos usuarios (o nuevos públicos) seguirán haciendo suyas cada día estas nuevas tecnologías, y por supuesto, desarrollando las nuevas prácticas y comunidades informales.

En todo este tiempo transcurrido luego del desafío lanzado por Díaz Canel en el Congreso de la UNEAC no hemos sido capaces de elaborar desde el sistema institucional de la Cultura una agenda pública que a partir de los diversos diagnósticos ya realizados, trabaje en el terreno con ideas, herramientas, y alternativas que estén a la altura del siglo que estamos viviendo. Lo peor de todo esto es que estamos dejando escapar la oportunidad de fortalecer el sistema institucional al permanecer indiferentes ante las potencialidades que proyectos como El Callejón de los Milagros nos brindan ahora mismo.

Por lo pronto, en el 2018 seguiremos planteándonos como metas los diez conceptos claves que siguen movilizando a esta iniciativa todavía invisible para los camagüeyanos: Jerarquización de la cultura audiovisual; Inclusión digital genuina; Ciberalfabetización; Consumo activo vs. Recepción creativa; Desarrollo endógeno y comunitario; Perfil sinérgico; Aulas inteligentes; Inter-actividad; Inter-creatividad; y Pensamiento crítico.

Juan Antonio García Borrero

ALGUNAS DE LAS ACTIVIDADES DEL PROYECTO “EL CALLEJÓN DE LOS MILAGROS” EN EL 2017

Enero

Cibertertulia: Nicolás Guillén Landrián, el fantasma del Café (Callejón de los Milagros)

Febrero

Conferencia Científica del ISA: Ponencia “Las aulas inteligentes y la cultura audiovisual en el siglo XXI” (La Habana, 19 de febrero)

Ejercicio académico “Contra las adicciones” junto al Sectorial Provincial de Educación de Camagüey (Callejón de los Milagros, del 20 al 23 de febrero).

Cibertertulia: El consumo de la cultura japonesa en Camagüey (Callejón de los Milagros).

Marzo

Cibertertulia: El libro en la era de la reproducción electrónica (17 de marzo, Complejo Audiovisual Nuevo Mundo)

Charla Cine cubano, del son a la salsa (24 de marzo, Fiesta del Tinajón)

Abril

Segundo Encuentro sobre Cultura Audiovisual y Tecnologías Digitales (Del 26 al 28 de abril/ Complejo Audiovisual Nuevo Mundo; Callejón de los Milagros)

Cibertertulia: “La pupila asombrada” de la Televisión Cubana. Invitado: Omar Valiño (Callejón de los Milagros)

Mayo

Taller Nacional de Crítica Cinematográfica (Presentación del Proyecto El Callejón de los Milagros en la apertura/ Complejo Audiovisual Nuevo Mundo)

Cibertertulia: Las mejores películas cubanas del siglo XXI/ Presentación del corto Atrapado (2017), de Daniel Chile.

3er Premio y una mención colateral de la Casa de los Comunicadores Sociales para el corto Los buenos modales (2017), dirigido y actuado por niñas camagüeyanas en el 3er Festival Nacional de Creación Audiovisual Infantil Rodando Fantasías (Santa Clara).

Junio

Cibertertulia: El erotismo en la era de la post-pornografía

Julio

7ma Edición de las Jornadas Arte Cómic (Libros y archivos audiovisuales en el Portal El Callejón de los Milagros)

Taller para niños, niñas, y jóvenes “Programar es crecer” (Complejo Audiovisual Nuevo Mundo)

Agosto

Cibertertulia: La representación de la mujer en el audiovisual cubano (Complejo Audiovisual Nuevo Mundo)

Septiembre

Cibertertulia: Presentación del documental Testigos de la luz, de Miguel Vizoso

Octubre

Presentación Off line de la Enciclopedia Digital del Audiovisual Cubano (ENDAC) en el marco por la Jornada de la Cultura Cubana (Complejo Audiovisual Nuevo Mundo)

Noviembre

Presentación del Proyecto El Callejón de los Milagros a las escuelas Conrado Benítez (Primaria), Noel Fernández (Secundaria), y Álvaro Morell (Pre).

Cibertertulia: 15 años de la Carrera Arte de los Medios de Comunicación Audiovisual en Camagüey.

Presentación del Proyecto El Callejón de los Milagros en el marco de la VIII Jornada de la Cultura Italiana (18 de noviembre, Complejo Audiovisual Nuevo Mundo)

Diciembre

Presentación del Proyecto El Callejón de los Milagros al Consejo de Dirección del Sectorial Provincial de Cultura


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LOS MEJORES FILMES EXHIBIDOS EN CUBA EN EL AÑO 2017

Jue, 12/28/2017 - 12:38

Como cada año, los miembros de la Asociación Cubana de la Prensa Cinematográfica (ACPC) realizan una votación para seleccionar los mejores filmes estrenados en las salas cinematográficas del país, así como para elegir lo mejor de la producción fílmica nacional. En el año 2017, los resultados han sido los siguientes:

LOS MEJORES FILMES ESTRENADOS EN 2017

1. Acuario / Doña Clara / Brasil / 2016 / Kleber Mendonça Filho

2. El viajante / Irán-Francia / 2016 / Asghar Farhadi

3. Toni Erdmann / Alemania / 2016 / Maren Ade

4. El abrazo de la serpiente / Colombia-Venezuela-Argentina / 2015 / Ciro Guerra

5. Manchester frente al mar / Manchester by the Sea / Estados Unidos / 2016 / Kenneth Lonergan

6. Neruda / Chile-Francia-España-Argentina / 2016 / Pablo Larraín

7. Últimos días en La Habana / Cuba / 2015 / Fernando Pérez

8. El ciudadano ilustre / Argentina / 2016 / Mariano Cohn, Gastón Duprat

9. La La Land: la ciudad de las estrellas / La La Land / Esados Unidos / 2016 / Damián Chazelle

10. Ella / Elle / Francia-Alemania-Bélgica / 2016 / Paul Verhoeven

Nota. No se consideraron en esta selección los filmes cubanos y extranjeros exhibidos en el Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano, con vistas a ser tomados en cuenta cuando sean estrenados comercialmente.

LOS MEJORES FILMES CUBANOS EXHIBIDOS EN 2017 (no estrenados comercialmente aún)

Mejor largometraje de ficción: Sergio y Serguei, Ernesto Daranas

Mejor cortometraje de ficción: El hormiguero, Alán González

Mejor documental: El proyecto, Alejandro Alonso

Mejor animado: Los dos príncipes, Adanoe Lima, Yemelí Cruz

LOS MEJORES FILMES VISTOS EN EL 39 FESTIVAL

1. Los perros / Chile /

2. El insulto / Líbano

3. The Square / Suecia

4. Una mujer fantástica / Chile

5. El otro lado de la esperanza / Finlandia / Aki Kaurismaki

Participaron en la votación 32 miembros: Ángel Pérez Velásquez, Antonio Enrique González, Arístides O´Farrill, Azucena Plasencia, Carlos Galiano, Dagoberto Batista, Daniel Céspedes, Gustavo Arcos, Gustavo Béquer, Ileana Margarita Rodríguez, Jacqueline Venet, Joel del Río, Jorge Calderón, Jorge Villa, Juan Carlos Vallinas, Juan Ramón Ferrera, Julio Martínez Molina, Leanny Pintado, Lino Verdecia, Luciano Castillo, María del Carmen Mestas, Mabel Olalde, Mario Masvidal, Mario Naito, Mayté Madruga, Mireya Castañeda, Pedro Antonio García, Pedro Noa, Ramón Leonardo Cabrera, Rubén Padrón, Teresita Jorge, Antonio Mazón Robau.


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LA LEY DE CINE EN ANDALUCÍA

Mar, 12/26/2017 - 22:08

Me acaban de enviar este interesante artículo que comparto con los amigos del blog. Fíjense en esto que también busca el texto legal: “En una línea similar, se implantarán estrategias de alfabetización mediática para favorecer el acceso a la cultura cinematográfica en las escuelas. Estas iniciativas se centrarán en la formación tanto de los docentes como de los profesionales”. Definitivamente, los cubanos tenemos un camino bastante largo por recorrer.

JAGB

La Ley del Cine de Andalucía nace con el apoyo del sector y la garantía de un marco estable de financiación

El Consejo de Gobierno ha aprobado el proyecto de Ley del Cine en Andalucía, que dotará por primera vez de un marco jurídico a la industria cinematográfica y audiovisual en la comunidad. El texto, elaborado con la participación y el consenso del sector, tiene como principal objetivo fortalecer y respaldar una actividad que en Andalucía cuenta con 625 empresas. Su desarrollo contará con una previsión presupuestaria inicial de 48,7 millones de euros hasta el año 2022 por parte de la Consejería de Cultura, a la que se sumarán las inversiones de apoyo al cine que también desarrollarán otros departamentos de la Junta.

Entre otras novedades, la norma incluye la puesta en marcha de la Estrategia Andaluza para el Impulso de la Industria Cinematográfica y Audiovisual; la habilitación de un marco de apoyo económico estable a través de una cartera única de recursos de financiación y la creación de instrumentos de colaboración con el sector, como el Consejo Asesor de Cinematografía.

Asimismo, se disponen medidas para impulsar la alfabetización audiovisual, acercar la creación cinematográfica a las aulas, incrementar la presencia activa de las mujeres en la industria, favorecer los rodajes en la comunidad, incorporar al sector en las políticas autonómicas de internacionalización, mejorar el acceso de las personas con discapacidad y reforzar la protección del patrimonio vinculado a la actividad.

La Estrategia Andaluza para el Impulso de la Industria Cinematográfica y Audiovisual será el principal instrumento de coordinación de las políticas públicas recogidas en la ley. En el marco de esta planificación, y atendiendo a una de las principales reivindicaciones del sector, el proyecto prevé la creación de un sistema de financiación estable a través de la Cartera de Recursos Económicos para la Cinematografía y la Producción Audiovisual. Se nutrirá de los presupuestos autonómicos, del Fondo de Apoyo a las Pymes Culturales y de los fondos estatales para el cine cuya gestión corresponda a la Junta, así como de donaciones, transferencias y aportaciones, entre otras fuentes. Su labor se centrará en incentivar la creación, el desarrollo y la producción cinematográfica y audiovisual; mejorar las condiciones de exhibición, y fomentar la atracción de rodajes y la distribución, la promoción y el acceso a festivales y mercados nacionales e internacionales.

Otro de los objetivos de la futura la ley será el apoyo a la exhibición y a la creación de nuevos públicos, ámbitos en los que se incluirán ayudas novedosas como las destinadas a apoyar la digitalización de las pantallas de cines. El nuevo marco jurídico también prevé la creación de una red cultural de salas de cine para la difusión de obras andaluzas y europeas de calidad.

En una línea similar, se implantarán estrategias de alfabetización mediática para favorecer el acceso a la cultura cinematográfica en las escuelas. Estas iniciativas se centrarán en la formación tanto de los docentes como de los profesionales.

Colaboración con el sector

En cuanto a la creación de nuevos instrumentos de colaboración entre los poderes públicos y la industria del cine, destacan el Consejo Asesor de Cinematografía, órgano consultivo y de asesoramiento en el que participarán profesionales de reconocido prestigio, o el Centro de Información y Seguimiento de la Actividad Cinematográfica y Audiovisual, que se encargará de realizar trabajos estadísticos y de tratamientos de datos.

En el ámbito de la ordenación administrativa, destaca la creación del Registro Andaluz de Empresas Cinematográficas y de Producción Audiovisual. Entre otras funciones, este instrumento facilitará el acceso a incentivos y a la calificación y certificación de nacionalidad de las obras. También se prevé la constitución de una red de archivos con el fin de conservar el patrimonio en este ámbito.

El proyecto de ley, que será remitido al Parlamento autonómico para su aprobación definitiva, ha sido fruto del trabajo y consenso con los profesionales del sector y con entidades como la Asociación de Empresas de Producción Audiovisual y Productores Independientes de Andalucía (AEPAA-APRIA); la Plataforma de Empresarios y Creadores del Audiovisual Andaluz (PECAA); la Asociación de Mujeres Cineastas y de Medios Audiovisuales (CIMA); la Asociación Andaluza de Mujeres de los Medios Audiovisuales (AAMMA); la Asociación de Empresas de Distribución Audiovisual de Andalucía (AEDAVA) y la Asociación Profesional de Técnicos Audiovisuales y Cinematográficos de Sevilla (TESEA), además de ASECAN (Asociación de Escritores y Escritoras de Cine en Andalucía).

Según los últimos datos disponibles, correspondientes al año 2016, Andalucía cuenta con alrededor de 1.400 empresas dentro del sector audiovisual, de las que 625 están centradas en actividades cinematográficas y televisión. Estas sociedades generan unos 10.000 empleos directos y 20.000 indirectos.

Por otro lado, el año pasado se batió en Andalucía el récord de número de rodajes, con un total de 1.336 que generaron un impacto económico de 118 millones de euros y dieron trabajo a unos 15.000 profesionales. También aumentó la cifra de salas de cine hasta llegar a las 561(un 3% más que en 2015), con 15,5 millones de espectadores y una recaudación de 85 millones de euros.


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GUSTAVO ARCOS SOBRE EL 39 FESTIVAL DEL NUEVO CINE LATINOAMERICANO

Jue, 12/21/2017 - 07:32

Por Gustavo Arcos Fernández-Britto (Escrito para Progreso Semanal)

El 39 Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano terminó anoche y las mujeres, como realizadoras, artistas o técnicas arrasaron con la mayoría de los galardones. Ellas, no solo fueron las autoras de los filmes sino también, las protagonistas centrales y activas de esos relatos. Un suceso, sin precedentes y gratamente significativo en la historia de estos eventos.

Bajo la premisa, Ver para crecer, llegaron a La Habana cientos de películas e invitados y, los espectadores como siempre, organizaron su particular maratón para disfrutar de la mayor cantidad posible de filmes, siguiendo ese extraño ritual adictivo, que se repite con cada edición. Y es que, para muchos cubanos, ir al cine solo parece cobrar sentido durante estos diez días, en los que se obtiene una… licencia para soñar. El resto del año, las visitas al agromercado, el paquete semanal y la televisión nacional hacen lo suyo. Así que el festival, se convierte en esa puerta o espacio único, donde la gente intenta conocer, o vivir, la vida que no tiene.

Como tener y no tener se ha convertido en el mantra de nuestros tiempos, el festival se ve arrastrado cada año por esa misma lucha de contrarios… posesivos. No hay empresa que se levante sin financiamiento y los organizadores deben convertir polvo en oro, (¿o pesos en CUC?) para tratar de no traicionar a los espectadores que, año tras año, esperan el mes de diciembre para ver, quizás, el mejor cine del mundo. Pero no basta con traer buenas películas y organizar magníficas secciones, hace falta disponer de los espacios de exhibición que estén a la altura de esos esfuerzos y, francamente, el estado de nuestras salas (lunetas muy incómodas, proyectores que no funcionan, sonidos que se distorsionan) dejan bastante que desear, aun y cuando se han producido inversiones (evidentemente erradas) en ese sentido.

Distanciado de su espíritu fundacional el festival ha dejado de ser la fiesta que integraba a todo un país, que llevaba películas a ciudades y comunidades, que hacía vibrar, emocionar y sufrir a millones de personas. Hoy, solo ofrece programas para unas pocas salas de la capital, ubicadas esencialmente en un mismo y reducido circuito del Vedado. Tal desplazamiento (no imputable a sus organizadores, puesto que rebasa sus competencias) tiene consecuencias culturales.

A pesar de esos y otros avatares, la cita, mantuvo su estructura o diseño tradicional, erigido alrededor de muestras oficiales y alternativas, presentaciones especiales, conciertos, encuentros teóricos, conferencias, lanzamientos de libros, homenajes y talleres. Múltiples opciones en un apretado programa, no siempre bien promocionado, sujeto a todo tipo de contingencias (la precaria conexión a internet o, la llegada de los filmes, por ejemplo) que termina por generar incertidumbres y confusiones informativas entre los espectadores. Es un modelo inclusivo, defendido por sus curadores, quienes, intentando mantener las esencias del evento, en su vocación latinoamericanista, han abierto también sus pantallas a lo mejor y más variado del cine universal.

Cuba tuvo una débil representación en los concursos oficiales de este año y su participación no fue refrendada (salvo en la categoría de animación) con ningún premio importante del jurado. Sergio y Serguei obtuvo el gratificante premio del público, pero para los filmes cubanos… es ya un lugar común. Paradójicamente, hemos tenido una de las más prolíficas temporadas de toda nuestra historia fílmica ya que se han rodado, al menos, una docena de largometrajes y cientos de cortos y documentales que ahora transitan por diferentes etapas de posproducción visual y sonora. ¿Los veremos el próximo año?

Cada festival tiene su propio comité de selección, que parte y reparte, colocando obras en el concurso oficial o en las muestras paralelas, siguiendo en primera instancia, criterios artísticos o estéticos. También influyen, los deseos del productor al hacer la inscripción en una u otra sección, el perfil o interés del festival, y hasta los nombres de algunos autores cuyo pedigrí y obra, legitimarían su inclusión. Pero los filmes cubanos se convierten cada año en la manzana de la discordia. Otro “comité” extra- cinematográfico incide y presiona para que no se incluyan ciertas obras, consideradas incómodas o “políticamente incorrectas”. Hace tres años fue Regreso a Ítaca (Laurent Cantet), luego, en el 2016 tuvimos la amarga experiencia con la exclusión de Santa y Andrés (Carlos Lechuga) y este año, en lo que parece ser un patrón contra los filmes con nombres propios, le tocó el turno a Sergio y Serguei (Ernesto Daranas), que, aunque finalmente presentada, tuvo que sortear no pocas escaramuzas.

Como ocurre con la Muestra Joven de abril, los festivales son una excepción para la producción audiovisual cubana. Se levantan como el reducto circunstancial y único donde pueden apreciarse, en una sala y con cierta dignidad, muchas de las películas nacionales que fuera de esos marcos, no encontraran nuevas presentaciones públicas en nuestro entorno. La lista de películas “marcadas para morir” es larga. Alguien dijo que un país sin imágenes, es un país que no existe. Bueno, en el nuestro desgraciadamente hay gente empeñada en hacer realidad ese axioma.

Por suerte, los cineastas cubanos no le hacen el juego al enemigo… interno; filman, viajan, se involucran en diferentes proyectos, encuentran fondos donde sea y siguen adelante con sus ideas y sueños estrenando sus obras por todo el mundo. Ahí está una película como Los lobos del este, dirigida por Carlos Machado Quintela, y presentada en la sección Panorama Latinoamericano. Su obra anterior (La obra del siglo) es justamente una de esas que, aun galardonada en el festival, espera por su estreno tras dos años de realizada.

Pero Carlos, no se sentó a llorar o esperar, se fue a Gran Bretaña y luego a Japón donde encontró el ambiente, los actores, un lobo japonés y las motivaciones para su nuevo filme. Tenemos una película rodada por un cubano, en Japón, con actores y técnicos de esa nación que, por supuesto hablan en japonés, interpretando personajes diseñados y escritos por cubanos que viven en España. Fue editada en Estados Unidos y realizada gracias a la colaboración de al menos cinco naciones. Un ejemplo de los caminos que también puede seguir el cine de la isla. Un cine posnacional que se construye más allá de nuestras fronteras, y de la tutela institucional, que nos hace repensar los conceptos de identidad nacional, especialmente aquellos asociados a una geografía o espacios definidos. Ya hemos tenido varias experiencias en ese sentido. Recordar por ejemplo los filmes: Memorias del desarrollo (Miguel Coyula), El acompañante (Pavel Giroud) y Espejuelos oscuros (Jessica Rodríguez) por solo citar algunos de las más recientes.

El próximo festival estará consagrado a Tomas Gutiérrez Alea en su 90 aniversario. Será la edición 40 y seguramente se organizarán, por aquello de que es un numero redondo, presentaciones y jornadas memorables. Habrá muchas películas cubanas en el 2018, así que los curadores del festival tendrán una ardua tarea por delante al seleccionar o decantar. Ojalá los filmes sean dignos de Alea, y el festival todo, de su honestidad artística, su espíritu crítico y compromiso intelectual.


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POST-PRESENTACIÓN

Mar, 12/12/2017 - 08:42

Aquí comparto cuatro instantáneas de lo sucedido ayer en el Centro “Fresa y chocolate”. En la primera se ve a la actriz Mirtha Ibarra agradeciendo que el evento coincidiera con la fecha en que Tomás Gutiérrez Alea hubiese festejado otro aniversario de vida; en la segunda el joven crítico Ángel Pérez presenta el libro electrónico del también joven escritor Antonio Enrique González Rojas Voces en la niebla, y en la tercera otro joven estudioso, Daniel Céspedes, habla sobre el libro El primer Titón(Editorial Oriente).

Sobre las primeras impresiones que se puedan tener de la presentación offline de la Enciclopedia Digital del Audiovisual Cubano, prefiero que sean otros los que hablen o escriban. En lo personal me sentí satisfecho, primero con la asistencia de ese público conocedor de la temática, y luego, porque pude reconocer públicamente que parte de la paternidad intelectual de este proyecto se le debe a Desiderio Navarro. El aplauso espontáneo que le regalaran en el instante en que apareció su imagen en pantalla nos confirma que su legado va a perdurar. Ahora a seguir buscando cómplices para este proyecto colaborativo, que solo adquirirá sentido justo allí, con la colaboración de muchos.

Y en cuanto a la pregunta que siempre sale a relucir en las presentaciones: ¿qué tiempo llevo construyendo la Enciclopedia? En realidad no hay ningún misterio: con la Enciclopedia en este formato digital unos cinco meses; con el Proyecto El Callejón de los Milagros (que ha sido el aula que me ha permitido aprender sobre el uso creativo de la tecnología) unos dos años; con el blog Cine Cubano, la Pupila Insomne diez años, lo que me ha obligado a estudiar cómo funcionan estos asuntos de la revolución digital si queremos que los proyectos se mantengan en el tiempo, y lo más importante, escribiendo e investigando sobre el cine cubano un poquito más de tres décadas.

Como ven, no hay nada de misterio ni golpe de suerte: se trata solo de querer aprender.

Juan Antonio García Borrero

 

 


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DESIDERIO NAVARRO SOBRE CULTURA DIGITAL Y PENSAMIENTO CRÍTICO

Vie, 12/08/2017 - 06:21

En medio de la consternación, no he podido dejar de evocar aquel mensaje público que Desiderio Navarro me envió hace dos años, cuando no pudo participar en el “Primer Encuentro sobre Cultura Audiovisual y Tecnologías Digitales” que organizamos en Camagüey.

Releerlo ahora que ya no está físicamente provoca en mí una absoluta sensación de desamparo, porque Desiderio Navarro ha sido uno de los poquísimos intelectuales cubanos que quiso reflexionar críticamente sobre las humanidades digitales.

Como advierte en su mensaje, no se trata solo de adquirir tecnologías, sino de implementar Políticas Públicas que fomenten el uso creativo, y construir un cuerpo de ideas que acompañe ese conjunto de nuevas prácticas. Si algo agradecemos en el Proyecto “El Callejón de los Milagros” (tal inspirado en muchas de las acciones que él popularizó) es ese desvelo por sembrar en la comunidad miradas críticas. Al menos en ese sentido, su legado intelectual está a salvo.

JAGB

DE DESIDERIO NAVARRO A JUAN ANTONIO GARCÍA BORRERO

Querido Juany, estimados amigos y colegas:

Lamento mucho que problemas de salud me hayan impedido estar con ustedes hoy y perderme las intervenciones y debates de ese Primer Encuentro sobre Cultura Audiovisual y Tecnologías Digitales que Juan Antonio ha organizado con tanta pasión como conocimiento de la compleja problemática enfocada.

No puedo ocultar que, además de las razones estrictamente intelectuales de mi voluntad de apoyo a un evento así, me mueve también mi identificación con esfuerzos que me recuerdan los que yo hacía hace cincuenta años por desarrollar en Camagüey una cultura crítica sobre todo en la esfera del cine, que era el gran tema de la cultura audiovisual de la época. Es también por ello que haría todo lo posible por contribuir a que sus esfuerzos de hoy no se vieran frustrados como los míos de entonces por la ignorancia, el conservadurismo, el miedo a lo nuevo y otro, el aislacionismo provincial y nacional, etc.

Más que de Criterios y su experiencia localmente pionera en la divulgación digital del pensamiento teórico, hubiera querido hablarles de problemáticas que van mucho más allá de Criterios y que he venido planteando en otros contextos: por una parte, las consecuencias negativas que puede traer a nuestra cultura y sociedad la demora en el desarrollo y actualización de la cultura digital, y, por otra, los problemas socioculturales que pudiéramos evitar poniendo fin a la demora o la omisión en el estudio y aprovechamiento crítico de las reflexiones y contribuciones prácticas internacionales sobre los problemas ligados a ese desarrollo ya avanzado en otros países.

Y eso concierne a cuestiones tan heterogéneas que van desde el aumento del fraude escolar y académico mediante Internet hasta la futura sobrecarga informacional.

U otro ejemplo, sin ir más lejos: todos los problemas que están detrás de un proyecto como Los Mil y Un Textos en Una Noche en Cuba y, en general, de la información científica internacional en Cuba: la situación de las bibliotecas, las editoriales y las importaciones, de las traducciones en la esfera del pensamiento, del conocimiento de las grandes lenguas internacionales del mundo académico, de la adquisición de los derechos de autor; de los altos precios de artículos, revistas y libros en formato electrónico on-line, y, sobre todo, el problema de la selección y sus criterios.

Basta ver la bibliografía de numerosos artículos, ponencias, tesis y proyectos nacionales cuyos autores demuestran haber tenido acceso a Internet, para darse cuenta de que ese acceso es sólo la primera parte del problema. Lo más difícil comienza con la orientación y selección en medio de un contaminado océano informacional cuyas aguas Google y otros buscadores se encargan de revolver aún más. Estar desinformado no es un obstáculo para obtener más información, pero sí para llegar sin extravíos a la información del máximo valor. Y es por eso que se hace tan necesaria esa cultura digital crítica por la que tanto aboga Juan Antonio y a cuyo desarrollo en Camagüey seguramente contribuirán todos ustedes en este encuentro.

Espero poder acompañarlos en marzo en el “Taller de la Crítica Cinematográfica”, al que vendría con ejemplares de Denken 1, 2 y 3, y con los nuevos 1001 textos teóricos que hoy no les llegaron.

Éxitos les desea su coterráneo. Con un fuerte abrazo,

Desiderio


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EN MEMORIA DE DESIDERIO NAVARRO

Jue, 12/07/2017 - 20:43

Uno ha escuchado que el estado de salud se ha ido deteriorando de modo alarmante, y trata de prepararse para el desenlace trágico que, sabemos, llegará. Pero en el fondo, uno se sorprende pensando que ciertas personas tan vitales jamás podrán morirse temprano. Es el caso de mi coterráneo Desiderio Navarro, una de las personas más lúcidas que he tenido oportunidad de conocer. También de las más polémicas. También de las más generosas.

Pertenezco a esa inmensa cantidad de individuos que en Cuba se han beneficiado con ese sinnúmero de traducciones que nos entregaba a través de Criterios. Pero además, con sus trabajos aprendí a estimar la teoría utilizada con rigor (sin pedantería), y a valorar la importancia del intelectual crítico que interviene, allí, “en medio de la cosa pública”, que es donde realmente necesitamos que opere esa intervención.

Ha sido Roberto Fernández Retamar el que, a mi juicio, mejor ha logrado sintetizar los valores enormes que es fácil apreciar en esa vida que ahora se acaba de apagar: “Se trata de la hazaña descomunal de una sola persona, Desiderio Navarro, quien vale lo que una institución que se respete”.

Al Taller de Crítica Cinematográfica que se celebra en Camagüey lo trajimos en varias ocasiones. No pudo asistir, en cambio, al Primer Encuentro sobre Cultura Audiovisual y Tecnologías Digitales en el cual le hicimos un homenaje a Criterios, y a esa labor individual que, como dije antes, ha sido un ejemplo insólito de generosidad intelectual y rigor investigativo.

Juan Antonio García Borrero


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EL LLAMADO DE TITÓN

Jue, 12/07/2017 - 07:45

El próximo lunes, 11 de diciembre, estaremos presentando en el Centro Cultural “Fresa y Chocolate”, la Enciclopedia Digital del Audiovisual Cubano (ENDAC). Dicho así, suena a simple anuncio de una de las tantas y tantas actividades programadas en el marco del 39 Festival Internacional de Nuevo Cine Latinoamericano. Pero en lo personal, la presentación de ese día adquiere otro sentido; y es que el 11 de diciembre es el día en que Tomás Gutiérrez Alea hubiese estado festejando su cumpleaños.

Borges solía decir que “las fechas son para el olvido, pero fijan en el tiempo a los hombres y traen multiplicadas connotaciones”. Al final, a Titón yo lo evoco casi todos los días. Lo he convertido en el interlocutor ubicuo que me ayuda a entender que lo importante del pensamiento crítico, no está en repetir de modo automático aquello en lo que coincidimos, sino en explotar las disparidades, los criterios encontrados que nos harán arribar a ideas superiores.

A Titón me ha interesado estudiarlo, no como cineasta a secas, sino como intelectual que hace películas, que interviene en la esfera pública, que polemiza, que rectifica cuando hay que rectificar, que habla de la fraternidad como algo que tiene para los individuos la misma importancia que la libertad y la justicia social. Eso es lo que quise rastrear en el libro El primer Titón (Editorial Oriente, 2017), que el joven crítico Daniel Céspedes presentará también ese día.

Dice Mirtha Ibarra en el volumen que organizara con una parte de sus cartas: “Todos los años le preparaba una gran fiesta el día de su cumpleaños y la casa era invadida por todos sus amigos, tantos cubanos como extranjeros, pues coincidía con el Festival de Cine de La Habana y se encontraban en Cuba participando”.

Quisiera imaginarme ahora que lo que haremos el próximo 11 de diciembre en “Fresa y chocolate” (una extensión simbólica de su casa), es parte de esa fiesta interminable en la que nuevos amigos acuden a su llamado de seguir pensando y discutiendo nuestro cine.

Juan Antonio García Borrero


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EL CINE CUBANO Y SU HISTORIA PÚBLICA

Vie, 12/01/2017 - 09:24

Como los amigos saben, la Enciclopedia Digital del Audiovisual Cubano (ENDAC) es todavía un proyecto offline. Pero eso no ha impedido que a través del perfil que ya tiene en Facebook (https://www.facebook.com/Enciclopedia-Digital-Del-Audiovisual-Cubano), se hayan socializado algunos de los contenidos que se pueden encontrar en la misma.

Lo que viene sucediendo es muy estimulante, porque a través de esa vía han comenzado a llegar contribuciones importantes, y muchas de ellas, inesperadas. Pondré algunos ejemplos. Hace un par de semanas colgué una foto de Juego con Gloria, un filme que la realizadora Teresa Ordoqui (Te llamarás inocencia/ 1988) comenzó a realizar en 1990, apoyándose en un guión de Abilio Estévez, Raúl García Riverón, Jorge Alonso Padilla, Laura Fernández, y ella misma, y que tras filmarse algunos minutos con las actrices Katerine Sobrino y Katina Batet, fue detenida la producción.

Cuando subí las fotos comenté que eso formaba parte de una categoría que tendría la ENDAC y que he nombrado “Cine inconcluso”. Allí se podrá encontrar información, imágenes, enlaces a fragmentos de películas, etc, que ayuden a retener la memoria de eso que no alcanzó a realizarse, pero que formó parte de un proyecto creativo que estuvo en la mente de un realizador, o de un equipo. Quiere decir eso que no solo vamos a encontrar información sobre filmes paralizados por las decisiones políticas o administrativas del momento (Cerrado por reformas, 1995, de Orlando Rojas, por ejemplo), sino también proyectos acariciados por los autores pero que se quedaron en la fase del argumento o guión, como algunos de Titón (Inocencio Izquierdo, El alquimista, Für Elise).

Lo interesante es que una vez que subí las fotos de Juego con Gloria comenzaron a aparecer de inmediato diversos comentarios. Cito este enviado por Ángel Segundo González González desde Miami:

Formé parte del equipo de Juego con Gloria como asistente de cámara y conservo algunas fotos de la experiencia. Trabajar con Teresita, a quien conozco desde niño y quien tenía una gran amistad con mi padre, Gaspar González, creador de Chuncha, fue algo bien especial”.

Y acompañó ese comentario con una foto del rodaje donde se ve en el centro a Teresa Ordoqui intercambiando con el asistente de dirección Raúl García, y el luminador Pedro Arias, mientras las actrices parecen esperar el grito de ¡Acción! en medio del cementerio de Cienfuegos, que era la locación elegida.

No ha sido la única contribución recibida en la ENDAC. Desde Miami, Jorge Ramón me ha ayudado a completar su filmografía con información e imágenes, desde México Jorge Pucheux ha aportado fotos del mítico Departamento de Trucaje, mientras que por correo electrónico Ramón Berdayes me ha enviado en PDF sus memorias de lo que fueron los Estudios Cinematográficos de la Televisión y numerosas fotos, al igual que Carlos Padrón hablándome de los Estudios Cinematográficos que existieron en Santiago de Cuba, o Pavel Revelo las tesis que se han escrito en Camagüey abordando diversas instituciones teatrales y cinematográficas (Cine Casablanca, Teatro Principal, Avellaneda, Guerrero).

Más allá del agradecimiento individual que como editor de la ENDAC pudiera mostrar, me gustaría reflexionar brevemente sobre lo que aquí se está poniendo de manifiesto, en tanto estamos hablando de una nueva manera de organizar la información histórica a partir de las contribuciones públicas, lo que trae como consecuencia cambios en las metodologías a utilizarse a la hora de contar esas Historias.

El concepto de Historia Pública Digital le debe mucho a los historiadores Roy Rosenzweig y David Thelen, quienes en 1998 con su investigación “The Presence of the Past: Popular
Uses of History in American Life” hicieron notar que buena parte del público norteamericano prefería acceder a la Historia a través de su propia experiencia, sin intermediarios académicos, ya fuera acudiendo a los museos o instituciones dedicadas a comunicar la Historia. Y más importante aún: preferían contar sus propias versiones de la Historia local.

En este sentido, la Historia Pública Digital, entendida como esas narraciones donde pueden crearse archivos a partir de los aportes de personas que no son historiadores profesionales, solo podría concebirse en la era de la Web 2.0, que como se sabe, no está pensada en función de los informáticos sino de los usuarios, por lo que es posible fomentar los proyectos abiertos y colaborativos.

Como en la ENDAC estamos interesados en impulsar líneas investigativas que hablen del cine, no como el conjunto exclusivo de películas y autores que podemos conocer físicamente, sino como algo mucho más complejo que estaría atravesado por las condiciones tecnológicas, culturales, políticas, económicas, etc, entonces estaríamos hablando de construir una Historia Pública del Audiovisual cubano.

Eso significa que, además del análisis de la película que vimos, importará el contexto en que se ha filmado la cinta, la tecnología que se ha utilizado, los grupos que se han encargado de producirla y los que se han opuesto a que esta circule o exista, los libros que la han encumbrado o los silencios que le han negado la visibilidad, o las memorias del espectador asociadas al consumo.

De todos modos, para que podamos contar con una buena Historia Pública del cine cubano, necesitamos antes impulsar la informatización del sistema institucional de la cultura, y paralelo a ello, una eficiente política de uso creativo de esas tecnologías. Y en ese sentido, todavía nos falta mucho.

Juan Antonio García Borrero


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HOY, PRESENTACIÓN DE LA ENDAC EN EL ISA DE CAMAGÜEY

Jue, 11/30/2017 - 06:45

Dentro de unas horas, exactamente a las 11.30 de la mañana, estaré presentando una vez más la Enciclopedia Digital del Audiovisual Cubano, en esta ocasión como parte de las actividades previstas en el III Festival de los Estudiantes “Las imágenes posibles”.

La jornada de hoy estará dedicada a la Carrera “Arte de los Medios de Comunicación Audiovisual” con sede en Camagüey, que este año festeja sus tres lustros de creada. Comparto con los amigos un brevísimo fragmento del ensayo La historia digital del audiovisual cubano, que intenta fundamentar en lo teórico la existencia de la Enciclopedia Digital del Audiovisual Cubano.

Juan Antonio García Borrero

LA HISTORIA DIGITAL DEL AUDIOVISUAL CUBANO (Fragmento)

Me gustaría ahora hablar menos de teoría, y concentrarme más en las posibilidades prácticas que nos brinda hoy la revolución digital para construir esa nueva Historia del audiovisual cubano, incluso en un país como el nuestro, donde la penetración de Internet todavía es tan leve, y el concepto de Humanidades Digitales apenas es pensado en el gremio.

En definitiva, si hoy se habla de la emergencia de una “Nueva Historia del Cine” no es a partir de las elucubraciones teóricas de individuos que sueñan con ese punto de giro copernicano, sino, justo lo contrario, han sido las circunstancias concretas que ya existen, las que han llevado a pensar con un nuevo enfoque académico esa venidera escritura de la Historia del audiovisual.

Allí están, para poner algunos ejemplos, el Proyecto HOMER (History of Moviegoing, Exhibition and Reception) liderado por Arthur Knight, o el Proyecto Going to the Show, que Robert C. Allen anima, y que documenta y describe el mapa de experiencias de los espectadores de cine en North Carolina desde 1896 hasta 1930, o Cinema in Context, una formidable base de datos donde es posible encontrar documentación de buena parte de lo sucedido en los cines holandeses desde el período silente hasta 1960. En el caso de Latinoamérica, podríamos mencionar el caso de la Red de Investigadores del Cine Latinoamericano (RICILA), cuyo centro de operaciones habría que ubicarlo en Buenos Aires.

¿Qué podríamos hacer los investigadores del audiovisual cubano que vivimos en esta isla todavía marcada por el pensamiento analógico, a pesar de tener al alcance de nuestras manos un sinnúmero de herramientas digitales? Hasta donde he podido conocer, en la zona de las investigaciones vinculadas al audiovisual cubano se ha hecho muy poco, aunque hay acciones interesantes, como las desarrolladas en el blog Postdata, donde a partir de la llamada “Teoría de los seis grados de separación”, e inspirados en lo publicado en un sitio de la Universidad de Virginia (“El oráculo de Bacon”), se logró graficar la red de relaciones establecidas entre los actores del cine cubano.

En este caso que mencionamos, la conexión a Internet era imprescindible, pero en realidad, si algo está permitiendo la revolución digital que actualmente vive la humanidad, es precisamente el uso creativo de todas esas tecnologías que tenemos a diario en nuestras manos, y que pueden operar de manera offline. Aclaro: no digo que Internet no sea importante (a estas alturas es un derecho de todos los ciudadanos, no un privilegio con el cual se premian a algunos en virtud de razones profesionales y/o políticas), sino que no es imprescindible para desarrollar proyectos que nos ayuden a reorientar los pasos de una historiografía tradicional que, a partir de la fragmentación de sentidos que se vive en la época, ha visto superada la hegemonía del antiguo relato unidireccional.


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III FESTIVAL DE ESTUDIANTES LAS IMÁGENES POSIBLES (Camagüey, Cuba, 2017)

Mar, 11/28/2017 - 06:53

A partir de mañana comienza en el ISA de Camagüey la tercera edición del Festival de Estudiantes “Las imágenes posibles”. El programa anuncia muchísimas actividades, comenzando con una conferencia a propósito de los cincuenta años del Ballet de Camagüey.

El jueves 30 estará dedicado al audiovisual con un panel titulado “Fundación y trayectoria de la Carrera de Comunicación Audiovisual en su 15 aniversario”. Como moderadora del mismo estará María Antonia Borroto Trujillo, y serán panelistas Olga García Yero, María Antonieta Rioseco López Trigo, Rebeca Burón Marín, Jorge Santana Pérez, Adrián Quintero y Geovany García Vistorte.

A las 11 y 30 de ese mismo día estaremos presentando la página que dentro de la Enciclopedia Digital del Audiovisual Cubano tiene la Carrera “Arte de los Medios de Comunicación Audiovisual” en Camagüey, y que hasta el momento registra un total de 117 materiales realizados en la institución, con sus respectivas fichas técnicas y sinopsis.

Por la tarde, Armando Pérez Padrón presentará una retrospectiva de algunos de los materiales filmados en estos quince años, mientras que Oneyda González y Gustavo Pérez proyectarán su celebrado documental Severo secreto (2016), que rescata la figura del escritor camagüeyano Severo Sarduy.

Juan Antonio García Borrero


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MAÑANA, CIBERTERTULIA EN CAMAGÜEY

Mié, 11/22/2017 - 06:13

Mañana, a las cinco de la tarde, estaremos efectuando en el Complejo Audiovisual Nuevo Mundo, la Cibertertulia correspondiente al mes de abril, en esta ocasión para hablar de los quince años que ya cumple la carrera de “Arte de los Medios de Comunicación Audiovisual en Camagüey”.

De allí que contar con la presencia de la Dra. Olga García Yero como invitada sea un lujo, toda vez que fue durante su período de directora de la Universidad de las Artes, que se concretó esta maravillosa idea.

Acompañaremos esta tertulia con la proyección de un grupo de cortos filmados por los estudiantes en estos tres lustros, y la presentación del Catálogo de Producción de la Carrera.

Juan Antonio García Borrero


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15 AÑOS DE ARTE DE LOS MEDIOS DE COMUNICACIÓN AUDIOVISUAL EN CAMAGÜEY

Dom, 11/19/2017 - 07:22

Comparto las palabras introductorias del Catálogo de Producción que hemos conformado con las obras de los estudiantes del ISA de Camagüey. Hasta el momento el Catálogo contiene información (fichas técnicas, sinopsis, imágenes) de 114 materiales, y será presentado el próximo 23 de noviembre, en la Cibertertulia correspondiente al mes de noviembre. También podrá descargarse de modo gratuito del Portal El Callejón de los Milagros.

15 AÑOS DE ARTE DE LOS MEDIOS DE COMUNICACIÓN AUDIOVISUAL EN CAMAGÜEY

Por Juan Antonio García Borrero

En la Cuba de 1959 el ICAIC recién acababa de crearse, gracias a la vocación y el empeño de un grupo de jóvenes que por entonces soñaban con fundar una cinematografía nacional. Hasta ese momento, tanto en el período silente como en el sonoro pre-revolucionario, se habían hecho una gran cantidad de películas, pero buena parte de esas cintas apelaban de modo facilista y precario a los mecanismos de comunicación explotados en el teatro, la radio, y la literatura.

La formación de aquellos cineastas cubanos, por lo general, tenía mucho de autodidacta: filmaban por pura intuición, sin tomar en cuenta lo que ya se debatía en diversas escuelas creadas en el mundo. Pensar entonces en una escuela de cine dentro del país, sin existir una industria cinematográfica que justificase su utilidad, hubiese sido a todas luces irracional.

Pero con la creación del ICAIC ya esa posibilidad sonaba diferente, tomando en cuenta que algunos de sus miembros (Tomás Gutiérrez Alea, Julio García-Espinosa, Néstor Almendros) sí habían estudiado en el Centro Sperimentale di Cinematografía de Roma, y portaban otra visión. Almendros, por ejemplo, en 1960 escribe en la revista Bohemia un artículo que titula “Importancia actual de las Escuelas de Cine”, donde en algún momento apunta:

Ya conocemos los inconvenientes de la enseñanza académica en las artes: el anquilosamiento de los profesores, el burocratismo, la tendencia de los alumnos a preocuparse solamente por pasar exámenes y obtener diplomas, etc. Pero aun así, pese a todos sus defectos, de allí han salido algunos de los valores más positivos de las nuevas generaciones cinematográficas[1]

Aunque el ICAIC se consolidó rápidamente, no puede decirse lo mismo del sistema de enseñanza vinculado a la creación audiovisual. Es en 1987 que se funda la Escuela Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de los Baños, a la que seguiría la FAMCA en La Habana (1988), la Filial que funciona en Holguín (1990), y la de Camagüey en el 2002.

En el caso de la Unidad Docente del Instituto Superior de Arte en Camagüey surgió el 13 de septiembre de 1989, teniendo como primeros Directores a Aurelio Horta Mesa y Lourdes Horta Mesa. A partir de 1993 y hasta el año 2004 asume la dirección la Dra. Olga García Yero, y es bajo su mandato que es creado en el 2002 el Departamento de Medios Audiovisuales, con Esther Cárdenas Castro como la primera Jefa de la carrera “Artes de los Medios de Comunicación Audiovisual”.

Aquello parecía el desenlace natural de un proceso de formación informal alimentado por tantas ediciones de “El Almacén de la Imagen” y el “Taller Nacional de Crítica Cinematográfica”, tantas jornadas cineclubísticas, tantas tertulias al amparo de lo que las grandes pantallas nos prodigaban a diario. Y es que a lo largo de un poco más de un siglo, Camagüey se ha revelado como una ciudad donde parece natural respirar “audiovisualmente”. No es algo reciente, sino que la tradición se remonta a esos primeros años del siglo pasado, cuando, para poner un ejemplo, el Dr. Omelio Freyre decide fundar el 28 de mayo de 1906 el Club Cinegético, mucho antes que Louis Delluc y Ricciotto Canudo pensaran en algo similar en la ilustrada Europa.

Después fueron llegando todos esos cines y teatros lujosos (Casablanca, Encanto, Alkázar) que nos hablan de una impronta notable de esta práctica cultural en el imaginario de los lugareños. En todo este tiempo, “ir al cine” en Camagüey no solo ha significado ir a ver películas entretenidas o de grandes valores artísticos: ha sido sobre todo una práctica cultural que ha enriquecido la convivencia, formado comunidades de espectadores, y promovido gustos, valores, cosmovisiones.

Pudiera decirse entonces que en los años previos a la creación de la carrera, ya se habían construido en la ciudad los escenarios básicos sobre los cuales erigir esos saberes superiores que hoy se impulsan en la Universidad de las Artes agramontina. En estos quince años transcurridos, y gracias a las diez graduaciones efectuadas (la primera ocurrió en el 2007) se han graduado un total de 87 estudiantes en las especialidades de Dirección (41), Fotografía (18), Sonido (10), Producción (12), y Edición (6).

Ahora bien, más allá del júbilo que representa cotejar estas cifras, hoy resultaría importante preguntarnos qué ha significado en lo estético, pero también en lo intelectual, la existencia de una escuela como esta. En el único ensayo que conozco sobre la producción audiovisual de la FAMCA y su Historia, el crítico y profesor Gustavo Arcos se pregunta algo que también podría inquietarnos a nosotros los camagüeyanos:

¿Para qué se tiene una Escuela de Cine o medios? ¿Qué esperamos de ella? ¿Qué estudiantes debemos ingresar? ¿Debe ser una cuestión de simple superación, de matemática social, o una plataforma para generar inquietudes estéticas? ¿De qué forma una dinámica docente y creativa puede ser refrendada en una comunidad? ¿No debería un espacio artístico generar confrontaciones académicas capaces de extenderse a los espacios públicos? ¿Tuvimos en los 90 un mejor cine, televisión o radio gracias a este centro?.[2]

Para obtener respuestas medianamente confiables a lo anterior necesitamos, primero, construir un marco teórico que nos permita elaborar diagnósticos sólidos. Y ese marco teórico no puede existir, si antes no conseguimos reconstruir lo que ha sido la existencia de la escuela a través de las películas concebidas por los estudiantes, los ejercicios planificados por los profesores, los debates o eventos auspiciados por la institución. Dicho de otra manera: no podríamos encontrar respuestas valederas, si no basamos nuestros análisis en lo que ha sido la experiencia diaria de estos años.

Lamentablemente, lo que se produce en las Escuelas de cine de todo el mundo casi nunca es tomado en cuenta por quienes escriben “la Historia Oficial” del cine. Por otro lado, es raro encontrar en las filmografías de los cineastas ya profesionalizados esos ejercicios formativos. Como por lo general el cine es evaluado de acuerdo a determinados parámetros estéticos, y en función de los mismos se decide qué es lo que debe retenerse en la memoria o pasar al olvido, pues casi nada de lo realizado en esos predios se valora. Y, sin embargo, los que hemos visto El sueño de Giovanni Bassain (1953), corto realizado por Tomás Gutiérrez Alea en Italia cuando estudiaba en el Centro Sperimentale di Cinematografía de Roma, sabemos que es posible encontrar allí zonas desarrolladas posteriormente en su etapa profesional.

Por eso resulta tan útil reconstruir lo que ha sido el proceso creativo en la Carrera “Arte de los Medios de Comunicación Audiovisual” en Camagüey. Cierto que tendremos que partir literalmente de cero, pues hasta ahora no existe un Centro de Documentación o algo parecido, donde se pueda consultar de forma organizada el listado de lo producido, su información técnica, y, sobre todo, visionar los materiales.

Por suerte, la emergencia de nuevas tecnologías, que incluyen las plataformas colaborativas con posibilidades de trabajar online y offline, ya nos está permitiendo contar con la ayuda de los propios egresados, aun cuando en estos momentos no residan en el país. De allí que el Catálogo de Producción que ahora presentamos no sea algo cerrado, sino en todo caso, una invitación permanente a seguir cuidando la Memoria (con mayúscula) de este espacio donde a diario ya se forma (sin nosotros advertirlo) una parte del audiovisual del futuro.

Cuando Néstor Almendros escribió aquel artículo donde hablaba de la importancia de las escuelas de cine, todavía filmar era una actividad excluyente. No todos los que en aquella época soñaban con ser cineastas podían acceder a la creación, ya fuera dentro o al margen de la industria. Hoy que las tecnologías han democratizado los modos de producir, distribuir, y consumir los audiovisuales, se ha popularizado el peligroso espejismo de que no es necesario estudiar en una escuela el cine.

Desde luego, no son las escuelas por sí solas las que consiguen que se movilice ese pensamiento crítico que debería acompañar a toda creación artística. Pero sí resultan imprescindibles a la hora de orientar a aquellos que aspiran a formarse con seriedad. Como apunta Almendros: “Tan absurdo es que un joven director pretenda hacer cine de calidad sin haber visto, por ejemplo, la obra de Griffith o Von Stroheim, como que un compositor escriba música de concierto sin conocer a Bach o a Beethoven”.[3] Por eso una carrera como la de “Arte de los Medios de Comunicación Audiovisual” resulta imprescindible si queremos entender a fondo la responsabilidad del cineasta en una época donde la imagen acompañada de sonido se ha convertido, muchas veces, en la falsa medida de las cosas.


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MUESTRA DE AUDIOVISUALES PRODUCIDOS EN EL ISA DE CAMAGÜEY

Sáb, 11/18/2017 - 06:58

Como ya habíamos anunciado anteriormente, nuestra próxima Cibertertulia del 23 de noviembre, a celebrarse en el Complejo Audiovisual Nuevo Mundo a las cinco de la tarde, estará dedicada a los 15 años de la creación en Camagüey de la carrera “Arte de los Medios de Comunicación Audiovisual”.

Para ello hemos preparado una breve Muestra de trabajos realizados en esa institución por sus estudiantes. Los materiales seleccionados no son realmente representativos de todo lo que se ha filmado. Tomando en cuenta el imperativo del tiempo (conformar para la Cibertertulia un programa de exhibición que no exceda los cuarenta minutos, para de ese modo poder conversar con los invitados), se ha priorizado la brevedad, repasando a su vez lo sucedido dentro de la ficción, el documental, el video arte, y la animación.

Comparto con los lectores del blog las fichas de los materiales seleccionados.

Juan Antonio García Borrero

MUESTRA POR LOS 15 AÑOS DE CREADA LA CARRERA

PATINAJE SEGURO

Ficha técnica: Año: 2007/ Tiempo: 4 minutos/ Género: Animación/ Productora: Instituto Superior de Arte/ Director: Geovanys García Vistorte/ Dirección de arte: Yariel Fernández, Raudel Hoyo/ Fotografía: Igmar González de la Cruz/ Modelado y animación 3D: Geovanys García Vistorte/ Producción: Alexander López Almaguer/ Banda sonora: Arturo A. López/ Musicalización: Arturo A. López/ Edición: Reinaldo Varona.

Nota

Trabajo de Diploma del realizador.

INSOLACIÓN

Ficha técnica:Año: 2006/ ISA; Producciones Sandía/ Tiempo: 1 minuto, 14 segundos/ Director: Jorge Luis Santana

Nota

Trabajo de Diploma del realizador

ANTANANARIVO

Ficha técnica: Año: 2010/ Tiempo: 3:23’/ Productora: ISA Camagüey, A PEPE PRODUCCIONES/ Dirección, Producción, y Guión: Yasser Socarrás/ Fotografía: Edenia Bacallao/ Asistente de cámara: Ángel García/ Edición y sonido: Raudel Concepción/ Actúan: Silvia Avilés (Laurita), Javier Jiménez (Fernandito).

Nota

Dedicado a Fernando Pérez

CASO TURISTA DESAPARECIDA

Ficha técnica: Año: 2014/ Tiempo: 6:26’/ Producción: Liber Drey/ Dirección: Liber Drey/ Fotografía: Liber Drey/ Edición: Liber Drey

Sinopsis:

Una joven turista norteamericana registra en videos su viaje a la ciudad de Camagüey, y abandona la protección del grupo cautivada por el folklore y la vida cotidiana, ignorando que con ello su vida corre peligro.

LAZOS

Ficha técnica: Año: 2015/ 38 segundos/ Productora: Ashé Animation Studios; Facultad de Medios de Comunicación Audiovisual/ Realización: Rachel Gómez Hernández, Rodolfo Caraballo Quevedo

Sinopsis

Realizado por alumnos de primer años de la Facultad de Medios de Comunicación Audiovisual (Universidad de las Artes, Filial Camagüey)

TIMBALITO

Ficha técnica: Año: 2006/ Tiempo: 4:29’/ Productora: ISA Camagüey, con la colaboración de TV Camagüey/ Producción: Isabel Palma Moreira/ Dirección: Annette Pichs Sánchez/ Fotografía: Annette Pichs Sánchez/ Edición lineal: Carlos Heredia/ Edición no lineal: Yohan Wilcox Reyes/ Música: Jarabe de Palo, "Bonito".

COBERTIZO

Ficha técnica: Año: 2010/ Tiempo: 7:18’/ Productora: Producciones Pan y Vino, ISA Camagüey/ Dirección: Anay Vázquez Alfaro/ Fotografía: Dayni Basulto/ Edición: Laura M. González Fernández/ Sonido directo: Rudyard Ramos Fonseca, Rafael Smith/ Escenografía y ambientación: Raúl E. García Basulto, Daniel Mejías González/ Maquillaje y peluquería: Mauricio Álvarez Romo, Giselle Fuentes Sanabria/ Actúan: Yosiaxy Méndez (Joven), Fidel Arango de Quesada (Mendigo).

Sinopsis

Obra realizada a partir de los textos "Dios y yo", del escritor Desiderio Borroto Fernández, y de "El arte de reciclar el arte", del artista Joel Jover. Texto de Canción -en voz del mendigo- escrita por Anay Vázquez Alfaro, y musicalizada por Fidel Arango.

EN EL OCASO

Ficha técnica: Año: 2012/ Tiempo: 7:02’/ Productora: 4 Dog, ISA Camagüey/ Producción: Eredy Machín/ Dirección: Eredy Machín/ Guión: Lázaro del Risco/ Fotografía y Dirección de Arte: Pepe Castillo/ Cámara y Edición: José M. González P./ Música original: Eduardo Leyva/ Sonido: Manuel Roura/ Actúan: Reina Ayala (paciente), Ingrid Castellanos (muchacha), Adonis Granado (chulo), Pepe Castillo (médico), Giselle Fuentes (enfermera), Félix R. Ferrá (cliente).

LÁGRIMAS NEGRAS

Ficha técnica: Año: 2014/ Tiempo: 5:18’/ Productora: Bola 8 Producciones, ISA Camagüey/ Dirección: Gisselle Ricardo Chapellí/ Guión: Gisselle Ricardo Chapellí/ Asistente de dirección: Luis Raúl Izquierdo/ Producción: Ivexi Arencibia Nápoles, Carlos de Armas Pupo, Luis Raúl Izquierdo/ Fotografía: Liber Drey/ Edición: Liber Drey/ Dirección de arte: Pepe Reyes/ Actúan: Jorge Parrado (Ernesto), Saiz García (Miriam), Magaly Cabrera (Voz abuela).

Sinopsis

Basado en una historia de Fernando Rubén Marchi.

EN EL CAFÉ

Ficha técnica:Año: 2017/ Tiempo: 4 minutos 26 segundos/ Animado/ Productora: Ashé Animation Studio, FAMCA Universidad de las Artes, ISA, Filial Camagüey/ Dirección, Guión, Producción, Diseño, Animación, Edición, Banda Sonora: Rodolfo Caraballo Quevedo/ Actúan: Linet Saladrigas, Yadira Rodríguez, Oscar Viñas.

Sinopsis

Un desesperado joven trata de revivir a su abuelo moribundo sin percatarse que la solución está, en su cotidiana taza de café.

Premio

Premio Animación en el 27 Almacén de la Imagen (Camagüey 2017)

EL ROJO Y EL NEGRO

Ficha técnica: Año: 2014/ Tiempo: 4:25’/ Productora: ISA Camagüey/ Director: Alberto Martín/ Guión: Alberto Martín/ Producción: Jennifer Flechoso/ Fotografía: Kevin Álvarez/ Dirección de arte y Vestuario: Pepe Reyes/ Sonido directo: Isaul Ortega/ Edición: Liber Drey/ Música y banda sonora: Liber Drey y Alberto Martín/ Maquillaje: César Santos/ Actúan: Henry de Armas, Isaul Ortega, Jennifer Flechoso, Linet Romero, Rogelio Loret de Mola, Keyler Peña.

Sinopsis

Una asesino en serie tiene aterrorizada a la ciudad…


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